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En el mundo de la paciencia de Great Grandpa, Moonbeam, las cosas pueden moverse a toda velocidad. “Es perfecto cuando te dejo, maldita sea”, es una línea que provoca un nudo en el estómago en el corazón del álbum en ‘Doom’, antes de que ‘Task’ enmarque la sensación de perfección a través de una lente más familiar y concreta: es el tipo de canción con la que se canta a coro. “Está fuera de la mente/ Esas cosas que nos lastiman/ Se mueve a través de/ Las cosas que hicimos/ Es como si solo hubiera sol/ Toda la oscuridad aquí se ha ido”, canta Al Menne, y pronto otro coro vocal proporciona la evidencia. ‘Task’ no comenzó como una canción sobre la reunión artística y personal del quinteto fundado en Seattle; ‘Doom’, abierto a la interpretación como pueda ser, ciertamente no fue escrito como su punto de contraste. Nadie abandonó la banda – que todavía está compuesta por Pat y Caroline Goodwin, Al Menne, Dylan Hanwright y Cam LaFlam – desde el lanzamiento de Four of Arrows en 2019, aunque períodos de incertidumbre creativa y separación geográfica contribuyeron al tiempo entre álbumes. Cuidadosamente construido, colaborativo y cohesivo, Patience, Moonbeam permite a cada miembro reorientar sus líneas de tiempo, infundir intimidad con drama y filtrar sus experiencias personales a través de la historia, el misterio y, sobre todo, la comunidad. Y así, incluso cuando cuestionan la naturaleza misma de ello, Great Grandpa demuestran estar a la altura de la tarea.
Nos pusimos al día con Pat Goodwin y Cam LaFlam de Great Grandpa para hablar sobre cada canción de su nuevo álbum, Patience, Moonbeam. Lee nuestro desglose pista por pista y escucha el álbum a continuación.
1. Sleep
Háblame sobre la decisión de abrir el disco con un instrumental, en lugar de tener algo como el interludio de piano en Four of Arrows en el medio del mismo.
Pat Goodwin: Siempre imaginé que ‘Sleep’ era parte de ‘Never Rest’. El hecho de dividirlo – no sé si alguna vez tuvimos una conversación sobre esto en particular. Pero vivimos en un mundo de gratificación instantánea, y creo que la gente tiene mucho miedo de no enganchar a la audiencia de inmediato. Queríamos dar al oyente un poco más de beneficio de la duda, o confiar un poco más en que no lo apagarían después de 10 segundos porque pensarían, “Bueno, esto es solo una aburrida pista instrumental, nunca escucharé el resto de esto”. Creo que la mayoría de los oyentes son más astutos de lo que la gente les da crédito, y tendrán esa paciencia. Y si alguien no la tiene, está bien. Quizás el disco no es para ellos. Creo que el disco trata de recompensas a largo plazo – de inversión, y luego que eso llegue más tarde, lo cual va en contra de la forma en que funciona nuestra cultura en estos días. Incluso nosotros tardamos tanto en hacerlo, lo cual creo que es parte de eso. Simplemente tener la confianza en nuestro lado para sentir que podemos hacer algo que quizás no sea una elección inteligente desde el punto de vista de marketing o branding o relaciones públicas, pero que sirve a la narrativa más amplia del álbum.
Casi todos nosotros, en su mayor parte, tenemos cierta ternura o amor por la música más progresiva, vanguardista o experimental. Obviamente hay tantos grandes discos que te dan esa especie de introducción al mundo, que te guían suavemente – esto solía ser obviamente más característico de los discos de los años 60 y 70. Si miras a Pink Floyd o incluso a artistas pop como Elton John, hacían cosas así donde había estos intros extendidos que preparaban el escenario de una manera más teatral. Y creo que la gente tiene más miedo de eso ahora.
2. Never Rest
‘Never Rest’ introduce esta idea de paciencia, o ser “paciente ante los ojos”, contrarrestando con una especie de anhelo inquieto. También es interesante cómo “Nunca descanso, solo duermo” contrasta con el álbum anterior, que llevaba el nombre de la carta del tarot que simboliza el descanso.
PW: Esa es una gran perspicacia. Me alegra que hayas captado eso. Siento que al hablar sobre esto, siempre hay un equilibrio fino entre querer que el oyente descubra el rompecabezas o desentrañarlo por sí mismos. Hablamos de esto mucho nosotros mismos: ¿Cuánto queremos llevar de la mano a la gente, o ser muy literales al hablar de estas cosas desde el principio? Pero siempre me siento más dispuesto a hablar de ello en entrevistas como esta, donde hay una sensación de que la persona ha profundizado en ello, y hay una sensación de aprecio o comprensión ya por eso. Pero queremos dar a la gente ese espacio.
Vi a alguien señalar que el disco comienza con un nacimiento y termina con una muerte – hay algo cíclico. Es un motivo que hemos explorado mucho en nuestra música: la tensión entre la alta energía y la baja energía, el descanso o el trabajo. Creo que para muchos de nosotros en la banda que tenemos más problemas de humor desregulado, es muy parte de nuestra realidad. A veces soy hiperproductivo y tengo un derrame de creatividad, y otras veces estoy muy apagado y me retiro un poco. Creo que el comienzo de ‘Sleep’ que lleva a ‘Never Rest’ es este momento de tensión real en mi vida, de convertirme en padre. Como, hay este nacimiento que se acerca, y me siento no preparado, me siento asustado de alguna manera. Gran parte de mi identidad y mi sentido de mí mismo provienen del trabajo creativo de hacer arte como este, y creo que tuve la sensación de que perdería eso, casi, si me convirtiera en padre. Todo mi tiempo, y el verdadero trabajo que conlleva hacer arte, se me quitaría al convertirme en padre. No tengo miedo de decir que estaba muy aterrorizado.
Siento que realmente vino de un lugar auténtico de sentir esa tensión mezclada con esa emoción de esta cosa transformadora, y tratar de lidiar con eso. Esa es un poco el espíritu central de ‘Never Rest’ – esa lucha con soltarse. Porque, en muchos aspectos, creo que ser un artista requiere un sentido de egoísmo. Quiero decir, lo que creas al final podría argumentarse que tiene cualidades más desinteresadas, porque otras personas lo disfrutan y lo aprecian. Pero a menudo, crear es algo muy egoísta y requiere mucho sacrificio de los demás a tu alrededor, solo por la cantidad de tiempo emocional y literal que se requiere para su creación.
3. Junior
Creo que ‘Junior’ ofrece trazas de una historia al ambiente ominoso que has construido hasta este punto, pero aún tiene un toque ligero y etéreo. ¿Cómo crees que funciona en el contexto del álbum?
Cam LaFlam: Creo que tiene una inmediatez, saliendo de ‘Never Rest’. Hay una nitidez real en las letras, pero también un cierto elemento energético en la canción que la lleva hasta el final. Siento que eso fue algo que intenté aportar en términos de batería, esa energía impulsora. Es una canción que realmente he disfrutado tocando en grupo.
PG: He estado indeciso sobre hablar más a fondo sobre esta canción. Cuando la estaba escribiendo, porque estaba tan inmerso en el mundo del que deriva – en realidad está basado en eventos y personas históricas – sentí que cuando la terminé, era bastante literal y todos sabrían exactamente de qué se trataba. Pero luego nadie lo ha captado. Nunca quise que fuera demasiado obvio, algo que la gente descubriría por sí misma. Así que en este punto, estoy más interesado en sembrar algunas semillas para que la gente lo explore un poco más, lo que se relaciona con las canciones del disco.
Al menos para mis propias canciones en este disco, me gusta esa idea de empezar muy personal y luego cerrar ese círculo. Entonces, ‘Never Rest’ es una canción muy personal, y ‘Kid’ es una canción muy personal. En el pasado, siempre he escrito canciones mucho más pequeñas, muy personales, internas, y realmente quería presionarme para salir de eso y tratar de explorar diferentes estilos, tal vez más narrativos, personajes de ficción. Probar canciones temáticas, diferentes tipos de paradigmas de escritura de canciones. Así que con la mitad del disco, realmente quería encerrar mucho de eso. Y una de las grandes cosas en la mitad del disco para mí es esta – he estado llamándola como la “trilogía de la secta”, y eso es ‘Doom’, ‘Emma’ y ‘Junior’, y todos están conectados.
‘Junior’, en pocas palabras, está realmente basado en la vida de Joseph Smith, el profeta mormón. Escuché este podcast que es increíblemente fascinante. La persona que escribe el podcast y lo presenta es un exmormón que creció en la iglesia y luego se convirtió en una especie de historiador de la fe mormona y es bastante literal y fáctico sobre la historia real de cómo surgió esta religión o esta secta – dependiendo de tu perspectiva. Y es más extraño que la ficción, ¿verdad? El elenco de personajes y algunos de los eventos que ocurrieron son bastante inspiradores desde un punto de vista creativo. Después de escucharlo, pensé, “Esto es un material de origen tan rico”. Mira una película como The Master, que, por supuesto, estaba basada en L. Ron Hubbard, y siempre pensé que era una exploración muy elegante de eso. Así que esperaba hacer algo así en forma más lírica en este disco. Obviamente hay mis propios prejuicios, pero quiero mantenerlo de una manera alejada del todo y más tierna.
‘Junior’ es más sobre Joseph Smith, primero desde la perspectiva de su padre en el primer verso, y luego el segundo verso es desde su propia perspectiva. Porque siempre es interesante con este tipo de personas: ¿Cuánto de ello creen realmente versus cuánto es parte de algún tipo de estafa manipuladora? Creo que siempre hay un elemento de ambos con muchos líderes de sectas, donde creo que lo creen hasta cierto punto, pero también hay una sensación de que son solo unos manipuladores. Quería intentar caminar esa línea de mantener ese aspecto humano de lo que realmente sucedió en su vida, y enamorarse de Emma, que es su primera esposa. Eso es de lo que trata la siguiente canción: una carta de amor de Joseph Smith a su esposa.
4. Emma
La intimidad de esta es curiosa y humana, pero también inquietante y abierta.
PG: Hay una ansiedad, ¿verdad? Creo que Joseph Smith realmente tuvo un amor genuino – a pesar de tener más esposas más tarde en su vida – por Emma, y que ella de alguna manera era única y especial. Pero al ser este primer amor y alguien que fue fundamental para su crecimiento como líder de secta y estuvo allí desde el principio – mezclado con el hecho de que está construyendo esta especie de imperio sobre mentiras – ¿cómo se puede lidiar con eso? Hay esta conciencia de que está construyendo toda esta casa de cartas, y ¿cómo protejo a esta persona que amo o evito que se dé cuenta de eso? Quería realmente intentar encontrar una forma de abordar eso con un sentido de ternura pero también de inquietud. Es como Breaking Bad o cualquiera de estas cosas donde estas personas se sumergen tanto en la mentira que la ilusión que están presentando a los que aman comienza a pesarles más y más. Quería transmitir eso tanto en el sonido de la canción como en esas letras.
CL: Cuando trabajamos en ‘Emma’, lo desarrollamos a partir de la idea de Pat relativamente tarde en estas canciones. Y la conexión que surgió en el elemento melódico entre ‘Emma’ y ‘Doom’ vuelve a estas conexiones de las que ha estado hablando Pat.
5. Ladybug
Sé que Al y Dylan contribuyeron con letras a la canción. Me pregunto si el proceso de colaboración fue tan juguetón como suena la canción.
CL: Por supuesto, sí. Pasamos por varias iteraciones. Tenía sus bloques de construcción iniciales, y luego durante varios años, construimos varias piezas de arquitectura diferentes. Ya sea en algunos de los pequeños bucles y ganchos que descubrimos en el camino, o en las vocales gritadas – recuerdo grabar esas y pasarlo genial.
PG: Fue algo con lo que luché mucho en términos de letras durante mucho tiempo. Eventualmente, ganó esta sensación de confianza, de abrazar la calidad hedonista de la misma. Creo que la búsqueda de la felicidad – porque ese es el punto de la canción – todos están familiarizados con el mensaje general allí. Pero la canción a la que realmente me gusta señalar para esta es ‘Catching Smoke’ – es una canción de King Gizzard del álbum Butterfly 3000. Recuerdo haber leído una nota de prensa una vez sobre eso, y ellos simplemente hablaban de cómo realmente querían hacer algo descaradamente hedonista, que trata solo de la alegría extática de tomar drogas con tus amigos y no pensarlo demasiado. Solo tratar de capturar esa sensación de euforia.
Siento que estaba luchando contra la energía natural de la canción, tratando de convertirla en algo que no era. Y luego cuando volví y comencé a trabajar en las letras por segunda vez, me incliné hacia el origen de la canción, que realmente se trataba de un amigo y yo tomando ácido y tropezando con una boda en un parque – no conocíamos a las personas allí, simplemente nos topamos con ella y nos convertimos en parte de esta boda mientras estábamos alucinando. Fue una experiencia muy surrealista y divertida, algo increíblemente memorable. Pero es una de esas cosas donde, como cualquier cosa, estos momentos son increíblemente fugaces, y son artificiales de alguna manera. Las drogas no son un camino real hacia la felicidad – es algo transitorio, no un bienestar más profundo a largo plazo. Estoy bastante metido en la meditación y en tratar de encontrar ese contentamiento en la base. Pero, por supuesto, como cualquier otra persona, me siento atraído por ese atractivo, y históricamente era mucho más cuando era más joven – tratando de perseguir esas emociones, la emoción, la emoción. Y eso es algo que nunca trae realmente un sentido duradero de paz o felicidad.
Quería montar esa línea de adorar y expresar amor por esos momentos, mientras también mantenerlos a distancia y decir, “Esto es algo que no es necesariamente bueno para mí o lo que realmente estoy buscando”. Esto fue muy divertido, y este momento fue realmente significativo, sin embargo, no quiero que sea algo que esté buscando.
6. Kiss the Dice
Esta es una de las canciones más sutiles del disco, pero aún insinúa algo profundo. Cam, ¿puedes hablar sobre el detalle en la instrumentación de fondo de la pista, especialmente la percusión?
CL: Al fue el principal compositor de ‘Kiss the Dice’, y fue una canción a la que creo que respondimos bastante rápido. Con la batería, recuerdo una fase de trabajo en este disco – estábamos haciendo algo de escritura/arreglos preproducción en un gran estudio en Anacortes, Washington, llamado The Unknown, y creo que era el espacio donde estábamos explorando ‘Kiss the Dice’. Con Dylan liderando gran parte de la producción e ingeniería de este álbum, terminamos sacando algunas piezas de batería de esas sesiones, que creo realmente sirvieron bien para ‘Kiss the Dice’. Solo un elemento de la brillantez de Al como compositor es su capacidad para construir una canción que se siente tan completa y significativa pero que también puede ser breve. Realmente hay una inmediatez en esa canción para mí. Se sintió como el lugar adecuado para un poco más de sutileza, como dijiste, saliendo de