Las siete composiciones de este álbum, escritas entre 2022 y 2024, forman una suite conceptual y una observancia de las danzas mentales que construimos para entender los actos de paso; las formas en que nos comunicamos, conmemoramos y llevamos símbolos de regreso al mundo más allá de la representación. Con este fin, The Head as Form’d in the Crier’s Choir se relaciona con dos referencias al antiguo mito griego de Orfeo: los Sonetos a Orfeo de Rilke, una colección de poemas de 1922, y l’Orfeo de Monteverdi, una ópera barroca temprana de 1607. The Head as Form’d in the Crier’s Choir es un suplemento de Two Sisters (2022) y Antiphonals (2021), que fueron intentos de comenzar a cerrar la brecha entre las piezas electroacústicas fijas que surgen en el estudio casero de Davachi y su escritura de cámara de ritmo lento y algo de forma abierta, en la que cada interpretación presenta una nueva estructura y en la que cada iteración ofrece el camino hacia una nueva composición y un significado más profundo. Junto a Davachi, los músicos destacados en este álbum son Andrew McIntosh (viola, Los Ángeles), Mattie Barbier (trombón, Los Ángeles), Lisa McGee (mezzosoprano, Los Ángeles), Pierre-Yves Martel (viola da gamba, Montréal), Eyvind Kang (viola de amor, Los Ángeles), y Rebecca Lane (flauta baja, Berlín), Sam Dunscombe (clarinete bajo, Berlín), Michiko Ogawa (clarinete bajo, Berlín), M.O. Abbott (trombón, Berlín), y Weston Olencki (trombón, Berlín) de la Harmonic Space Orchestra (Vientos).
En cuanto a Davachi, vuelve nuevamente a sus instrumentos de teclado favoritos: Mellotron (en particular, las muestras de viento y metal), órgano eléctrico (el Korg CX-3), sintetizador (el Prophet 5 y Korg PS-3100, que son extremadamente útiles en sus capacidades de afinación), y, por supuesto, órgano de tubos. Hay cuatro órganos de tubos destacados en este álbum: un instrumento de acción mecánica construido por Tamburini en 1968, ubicado en la Basílica di Santa Maria dei Servi de Bolonia, Italia; un instrumento de acción eléctrica construido por Veikko Virtanen en 1969, ubicado en la Iglesia de Temppeliaukio de Helsinki, Finlandia; un instrumento de acción mecánica de tono igual construido por John Brombaugh en 1981, ubicado en la Capilla Fairchild del Oberlin College en Oberlin, OH, EE. UU.; y un instrumento de acción mecánica construido por Aristide Cavaillé-Coll en 1864, ubicado en la Église du Gesù de Toulouse, Francia.
Las piezas de órgano en The Head as Form’d in the Crier’s Choir se centran más intensamente en los pedales de los instrumentos, así como en las variaciones texturales posibles gracias a las acciones de rastreador mecánico que la mayoría poseen. ‘Possente Spirto’ es una referencia conceptual suelta al aria ‘Possente spirto, e formidabil nume’ en l’Orfeo. Al igual que en la versión de Monteverdi, ‘Possente Spirto’ también enfatiza el uso de cuerdas y metales y observa un orden particular en el que entran y salen, e incorpora un marco de continuo. A partir de ahí, se enfoca en una progresión de acordes de movimiento lento y sus variaciones en armonía, inspiradas en conceptos renacentistas de armonía como una estructura vertical, ambientada dentro de un temperamento de igual coma de cuarto estándar. La pieza emplea la misma estructura que Davachi utiliza en la mayor parte de su escritura de cámara, donde cada iteración de una interpretación es ligeramente diferente, pidiendo a los músicos que respondan en tiempo real y se involucren en una forma de escucha más directa. ‘Trio for a Ground’ continúa esta sensación de instrumentación dividida, con el órgano proporcionando el continuo a lo largo y el coro pasando a un dúo de cuerdas. En esta grabación, Davachi trabaja con cuerdas barrocas: la viola da gamba y la viola de amor, esta última incorpora un conjunto de cuerdas simpáticas que existen únicamente para la resonancia. ‘Res Sub Rosa’ fue compuesta específicamente para una formación de quinteto de viento de la Harmonic Space Orchestra de Berlín, y emplea un sistema de justa entonación séptimal, así como una estructura igualmente variable que permite a los intérpretes cierta discreción en la forma en que se da forma a la pieza en un momento dado y que fomenta diferentes encuentros armónicos y acústicos en cada interpretación. ‘Constants’ funciona como un contrapunto electrónico a ‘Res Sub Rosa’, sustituyendo las decisiones humanas con los ciclos naturales de interrupción y decaimiento del sonido en la cinta de retardo de sonido para lograr un sentido similar de ritmo e imprevisibilidad.
Los primeros sonidos de Viewfinder de Wendy Eisenberg, dos cuerdas de guitarra, tocadas de forma recursiva; tambores titubeantes; un trombón probando su postura metálica contra el subyacente nerviosismo de la canción, se deslizan, titilantes, en la cautivadora apertura “Lasik”, una oda ambivalente a la transformación óptica. “Me arreglaron los ojos”, comienza Eisenberg, “Me quedé despierta y vi cómo mis ojos se fortalecían; vi cómo todo se hacía más claro”. En la segunda sílaba de claro, un brusco cambio vocal hacia abajo, como un salto en el vinilo, o como si su nueva claridad hubiera vacilado brevemente. Es un detalle menor, pero es el tipo de artista que es Eisenberg: “la curación lleva para siempre”, nos recuerda, y el tipo de música que se muestra en Viewfinder.
Ella y la atención de la banda son subatómicas, idiosincráticas, penetrantes. El álbum, al igual que todo el trabajo de Eisenberg, es inquieto y caleidoscópico tanto en género como en sensación. “Lasik” se orienta hacia la voz, deleitándose en la forma en que el trino alto y claro de Eisenberg se desliza y baila con sus instrumentos compañeros. Su suave y privada apertura se convierte en algo más enérgico, más seguro, y luego se interrumpe de nuevo. La canción es musicalmente digresiva e insistente en la narrativa: más cercana a la narración experimental y en expansión de Joanna Newsom o Joni Mitchell de la época de Hejira. Lo que sigue, los crudos y estruendosos acordes de piano que abren “Two Times Water”, cambian el tono del álbum hacia algo más clásico en aura antes de abrirse en una composición de jazz libre juguetona, e incluso ocasionalmente siniestra. El centerpiece instrumental de veintidós minutos de duración de “Afterimage” se desenvuelve incrementalmente, construyendo sobre sí mismo y repitiendo, mientras la banda se calienta mutuamente. Es una canción sexy, un poco rasposa, y podría escucharse como la banda sonora de una antigua película de atracos o un guiño noir de Hitchcock. En algunos momentos se escuchan estas canciones entornando los ojos hacia algo lejano e indescifrable. A pesar de su operación, “todo está ligeramente borroso, especialmente las distancias”.
La aclamada banda de rock canadiense Silverstein se complace en compartir su nuevo sencillo visceral “Skin & Bones”, disponible ahora a través de UNFD. Junto con la canción, la primera publicación del 2024 de la banda, también han compartido un nuevo video musical que los fanáticos pueden ver aquí: https://youtu.be/pcAyOdkEix4.
“‘Skin & Bones’ es una canción profundamente emocional, escrita sobre la repentina pérdida de una persona que una vez estuvo muy cerca de mí”, comparte el vocalista Shane Told. “Todos los días estamos atrapados en nuestras propias mentes preocupándonos por cosas triviales y nunca pensando en lo frágiles que somos. La vida puede desaparecer en un instante. Perdí a una de las mejores personas que jamás conocí”.
Continúa: “Grabar en Joshua Tree, en medio del desierto, hizo que se sintiera como si estuviéramos empezando con un lienzo completamente en blanco. Sin distracciones externas, me encontré volviendo mi atención hacia adentro. ¿Cómo me sentía realmente? ¿Qué quería decir realmente al respecto? Y una vez que encontré eso, la actuación simplemente brotó de mí. Hablando, cantando, gritando… todo es emoción cruda en esta pista”.
Agrega el baterista Paul Koehler: “A principios de este año nos aventuramos a Joshua Tree, escondiéndonos durante varias semanas y trabajando intensamente en nuestra primera tanda de nueva música en 3 años. ‘Skin & Bones’ está repleto de emociones intensas y es el primer vistazo a lo que se formó en esas sesiones”.
Un poderoso y prolífico narrador a través de su arte musical, el cantante, compositor y guitarrista Jake Smith, conocido como The White Buffalo, lanzará su primer álbum en vivo A Freight Train Through The Night, el 20 de septiembre. Llegando en vinilo doble, en una edición limitada y de colección, el nuevo álbum en vivo de The White Buffalo estará disponible para preordenar en todo el mundo hoy USA: https://the-white-buffalo-us.myshopify.com/collections/a-freight-train-through-the-night, y el resto del mundo: https://white-buffalo-uk.myshopify.com/collections/a-freight-train-through-the-night.
Smith describe el nuevo álbum en vivo A Freight Train Through The Night: “Este álbum abarca toda mi carrera, más de 20 años de escritura e interpretación de canciones. Con más de cien canciones para elegir, algunas de estas pistas las escribí en mis 20, y otras nacieron hace apenas unos años. Seleccionamos los favoritos de los fans y algunas canciones profundas para darles una nueva vida”. Añade: “También hicimos una adaptación completamente renovada de la canción ‘House of the Rising Sun’. Quería establecer una versión definitiva que fuera completamente nuestra y representativa de nuestro sonido, ofreciendo una alternativa fresca a la versión original del programa de televisión ‘Sons of Anarchy’. Este álbum tiene toda la emoción y pasión de la experiencia en vivo, es visceral, de una manera que no se puede lograr en el estudio. Lo que hacemos en vivo es muy diferente a los álbumes de estudio. Puro y crudo, sin pistas de acompañamiento, sin autoafinación, no perfecto. Somos los tres dándolo todo en nuestra forma más pura”.
Los artistas punk japoneses HEY SMITH se complacen en anunciar que su álbum más reciente, ‘Rest In Punk’, se lanzará físicamente en los EE. UU. el 23 de agosto. En asociación con el sello discográfico con sede en EE. UU. Bad Time Records, el LP estará disponible como una “EDICIÓN MUNDIAL”, e incluirá una nueva canción llamada “Feel My Pain”, que junto con las otras pistas del álbum, fueron remasterizadas por Howie Weinberg Mastering. La banda acaba de lanzar el video musical oficial de “Feel My Pain”, que se puede ver aquí.
El álbum también incluye la canción “Say My Name”, que fue la canción de cierre del popular anime ‘Tokyo Revengers Tenjiku Arc’. Rindiendo homenaje al legado del punk de los años 90 y a las raíces del género, la banda japonesa ha ganado seguidores en todo el mundo con su combinación única y única. Una banda auténtica en vivo que conecta con las multitudes a través de actuaciones vívidas, sudorosas y casi escandalosas, HEY-SMITH toca aproximadamente 150 shows al año. La banda representa la expresión, la libertad de la conformidad, ser fiel a uno mismo y pasar buenos momentos.
Abracarás la belleza del alma y el sonido de Terra Renae en el momento en que abra su voz magnética. A pesar de su talento, la nativa de Louisville, Kentucky, nunca anticipó embarcarse en el viaje musical que imaginó. Después de seguir inicialmente la modelación, cambió a la academia, completando su doctorado justo a tiempo para que se materializaran sus verdaderas aspiraciones musicales a través de un encuentro fortuito en Los Ángeles con Macy Gray. Cuando Terra se vio obligada a cantar de improviso, Macy lo escuchó. Lo sintió. Podía ver a los innumerables fanáticos esperando conectarse con la voz única de Terra Renae, y al igual que Macy Gray, quedarás encantado con ella.
Macy Gray se embarcó instantáneamente como Productora Ejecutiva de Terra Renae. Rápidamente reclutó al productor y compositor con sede en Los Ángeles Mikal Blue (One Direction, Colbie Caillat) para aprovechar la autenticidad, determinación y alma juguetona de Terra Renae. A medida que colaboraban, el sonido de Terra Renae tomaba forma, y Macy la presentó como invitada especial en fechas seleccionadas de su gira de otoño de 2023.
Continuando definiendo su sonido en más sesiones de grabación en Los Ángeles con Macy Gray, Mikal Blue y otros destacados compositores, Terra Renae ha captado la atención de más de 20 mil seguidores en plataformas de redes sociales. Con nueva música en el horizonte y más fechas de gira con Macy Gray en proceso, el 2024 marcará la presentación oficial de Terra Renae.
La cantautora de pop emergente Emei llega hoy con el lanzamiento de su nuevo sencillo. “RABBITHOLE” ve a la artista de Los Ángeles adentrarse en nuevos territorios sonoros con el productor Boy Blue (Flyana Boss, Suki Waterhouse) y anuncia un futuro emocionante con más por venir.
Prepárate para entrar en un ‘estado de conciencia superior’, ya que elrow revela un nuevo concepto, creado en colaboración con los artistas visionarios Alex & Allyson Grey. Hallucinarium, una experiencia temática y hiper-sensorial, se estrenará el 28 de septiembre en Amnesia Ibiza, coincidiendo con el cierre de la temporada de Ibiza.
Una experiencia inmersiva, basada en música y actuaciones, inspirada en el arte psicodélico y espiritual de Alex y Allyson Grey; el evento llevará a los participantes en un viaje cósmico a través de los picos y valles de la conciencia humana. Cierra los ojos y visualiza un escenario donde seres trascendentales se mueven contra fondos hipnóticos, y donde la geometría sagrada del arte de los Grey se cobra vida.
Mixado por el aclamado ingeniero y productor Mark “Spike” Stent, el tema presenta a un introspectivo Julian Lennon, expresando el sabor amargo de la traición, experimentada a lo largo de su vida, en el amor y los negocios. La fuerza en la voz de Lennon en la pista actualizada comunica su resistencia a pesar de tales desengaños amorosos. El acompañamiento musical intrincado demuestra aún más su duradero don para los arreglos.
Junto con el lanzamiento, Lennon aparece en un video musical por primera vez en más de una década para una canción original, bajo la dirección de Anna Makovchik, capturando el viaje del alma de Lennon en un entorno tranquilo y pacífico. La representación visual revela la esencia profunda de “I Should Have Known”, mostrando un viaje conmovedor de autodescubrimiento y crecimiento emocional.
La artista de pop contemporáneo Kristin Carter está celebrando el video musical oficial de “Lazy Sunday”, el sencillo destacado de su álbum debut “Full Bloom”. El video está actualmente disponible en YouTube.
Coupdekat lanza su himno de fiesta, M.I.A., una carta de amor a noches caóticas e impredecibles en Londres. La artista ha forjado comunidad y conexión anteriormente como cofundadora de LOUD LD