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En Cult of Love, la nueva obra de teatro de Leslye Headland, cuatro hermanos semi-alejados que ahora son adultos regresan a su hogar de la infancia para Navidad, donde se enfrentan a un padre posiblemente enfermo, así como a diversas decepciones y conflictos interpersonales. Esto quiere decir que sí, la configuración recuerda a la clásica película navideña de Wes Anderson, The Royal Tenenbaums, e incluso antes de que un personaje casi cite la película de Anderson, preguntando con petulancia a la matriarca de la familia Dahl “¿Por qué se le permite hacer eso?” al enterarse de que un hermano, junto con su esposo y bebé, se quedará en la acogedora y aparentemente bien equipada casa de Westchester de los padres de forma indefinida. (Margot Tenenbaum exigió saber lo mismo cuando Chas regresó a casa con sus hijos pequeños).
Pero al final de esta tragicomedia de un acto, la primera producción de Broadway de Headland, las comparaciones con la película anteriormente similar desaparecen con una proporción decididamente diferente de amargura a dulzura. Cult of Love también es diferente de las películas que Headland ha escrito y dirigido: la agudamente divertida Bachelorette (adaptada de su propia obra) y la más suave pero no menos hilarante comedia romántica Sleeping with Other People; esta tiene menos diálogos ingeniosos y menos ocurrencias por diseño (aunque todavía quedan muchas risas). Curiosamente e interesantemente, la obra, presentada por primera vez en 2018, comparte más terreno común con The Acolyte, la serie de televisión de Star Wars notoriamente subestimada de Headland que provocó incomodidades en ciertos fanáticos a principios de este año antes de que Disney cediera con una cancelación. Ese fantasy espacial orientado a jóvenes adultos abordaba sistemas de creencias en competencia y la línea a veces delgada entre lealtad y fanatismo. Los personajes en Cult of Love enfrentan un conflicto similar, donde una familia puede ser tan vinculante, tóxica, amorosa y difícil de escapar como cualquier religión. O culto.
Al principio, las raíces religiosas de la familia Dahl parecen relativamente inofensivas. El espectáculo está salpicado de actuaciones musicales, en su mayoría canciones religiosas, pero junto con fragmentos de canciones pop como White Winter Hymnal de Fleet Foxes, o un breve fragmento de Creep de Radiohead, interpretadas por una combinación del patriarca Bill (David Rasche) en el piano, el hijo mayor Mark (Zachary Quinto) en el banjo o la guitarra, y la hermana menor Diana (Shailene Woodley) en voces beatíficas, acompañados por la hermana mayor Evie (Rebecca Henderson) mientras su madre Ginny (Mare Winningham) observa, disfrutando de la unión y viviendo en la negación sobre todo lo demás. De hecho, estas improvisadas sesiones de canto parecen ser las únicas armonías reales a las que los personajes pueden regresar, como si entraran en trance.
Fuera de la música, las tensiones aumentan: Evie siente correctamente que algunos miembros de la familia no saben cómo comportarse alrededor de ella y su nueva esposa, Pippa (Roberta Colindrez), quien pasa la Navidad con los Dahl por primera vez. Mientras tanto, la esposa de Mark, Rachel (Molly Bernard), es una experta en la situación y no ha llegado a encontrar la experiencia más placentera (“Uno se acostumbra” es lo mejor que puede ofrecerle a Pippa). Nadie ha cenado aún, porque todos están esperando la llegada del hijo menor Johnny (Christopher Sears), un adicto en recuperación, lo que significa que también están esperando con ansias ver si llega en absoluto. A lo largo de la obra, los hijos adultos tratan de descubrir cómo hablar sobre las facultades mentales claramente deterioradas de Bill, que Ginny se niega incluso a reconocer. El director, Trip Cullman, evoca tanto la familiaridad como la extrañeza de una visita a casa, no es poca hazaña cuando se trata de un único escenario.
Muchos de los problemas de la familia Dahl, individualmente familiares e incluso, con el material que involucra demencia y adicción a las drogas, rozando lo cliché, vuelven a la religión. No al fracaso de una en particular, sino a lo que equivale a una serie de cismas en la doctrina propia de la familia: algunos miembros, especialmente Diana y su esposo, James, (Chris Lowell), han mantenido su fe cristiana; otros se han liberado en teoría pero tal vez no en la práctica. Headland captura el diálogo circular, superpuesto, entrecortado de una familia amorosa pero incompatible, y a veces la pura cacofonía presenta un desafío para los actores; en la presentación a la prensa, un par de ellos parecían tropezar con líneas entrelazadas. Pero las actuaciones son uniformemente excelentes de todos modos, con Woodley particularmente valiente en términos de hacer que la aparentemente dulce Diana sea a la vez más digna de lástima y menos simpática de lo que parece inicialmente. Si alguien sale perjudicado, es Quinto, interpretando un papel que se posiciona como protagonista pero a menudo se desvanece en el fondo, como si Headland no estuviera completamente segura de quién es Mark.
Tal vez esa incertidumbre sea parte del diseño, sin embargo; Mark tampoco está seguro de quién es. Cult of Love es al menos en parte sobre lo profundamente que los lazos familiares pueden llegar a estar incrustados en nuestras identidades, incluso si sucede en contra de nuestra voluntad, y/o se queda más tiempo del que es bienvenido, de ahí la comparación con un culto, nunca sobreexplicada en el texto de la obra misma, pero un brillante metáfora recurrente que resuena después del telón final. El trabajo de Headland como dramaturga refleja su interés más amplio en los componentes sociales de la religión; esta obra es la última entrada en su ciclo de los Siete Pecados Capitales, cada obra abordando (a veces de manera oblicua) una transgresión particular. Como tal, se encuentra en una posición incómoda: Cult of Love está designada para representar el pecado de la soberbia, sin embargo, es una obra de la que sentirse orgullosa, no obstante.
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