Yiqi Zhao es una artista visual e ilustradora cuyo trabajo existe en el potente espacio entre el mito personal y la crítica social. Navegando temas de género, migración e identidad cultural, Zhao emplea un lenguaje visual distintivo a base de tinta que se inspira en gran medida en el surrealismo y la subversión simbólica. Sus composiciones meticulosas pero emocionalmente crudas interrogan cómo el cuerpo, especialmente la forma femenina, es moldeado por sistemas externos de poder y expectativas. Desde acuarelas íntimas hasta densas ilustraciones con bolígrafo, el arte de Zhao captura lo que significa resistir, adaptarse y reclamar.
Esto se ve más vívidamente en su serie Limited Strength, una colección de obras que transforma símbolos chinos tradicionales como grullas, espejos y cabello ondulante en complejas metáforas de restricción y resistencia. En Escape, el espectador se encuentra con un vórtice visual impactante de figuras sumergidas en aguas oscuras de tinta, sus largos cabellos enredándolos y anclándolos. Una mujer se levanta desafiante sobre el caos, tirando de sí misma hacia arriba con su propio cabello, una línea de vida tanto como un ancla. Otras obras de la serie como Safe House or Jail? y Shut Up intensifican esta tensión, representando cuerpos agachados y sin rostro atrapados por motivos decorativos pero opresivos. La precisión técnica de sus líneas contrasta con la urgencia cruda de sus temas, creando un sentido de ruptura interna contenida dentro de formas dibujadas meticulosamente.
En esta entrevista, exploramos cómo Zhao reclama la figura humana como un sitio de lucha y resistencia. Discutimos su vocabulario simbólico, por qué el cabello reaparece como grillete y fuerza, cómo el acto de ocultación se convierte en un acto de comentario, y cómo su viaje transnacional desde China a los EE. UU. y ahora al Reino Unido informa sus narrativas complejas, a menudo inquietantes. Lo que emerge no es solo una artista que documenta estados emocionales, sino una que remodela la cultura visual a través de una narración profundamente personal y políticamente cargada.
En Limited Strength, reclamas la forma femenina desnuda a través de la tinta y el surrealismo. ¿Cómo equilibras la vulnerabilidad y la rebeldía en estas representaciones, y qué hace que el cuerpo sea un sitio tan poderoso para la resistencia en tu trabajo?
El cuerpo desnudo, para mí, es un campo de batalla donde la vulnerabilidad y la rebeldía chocan. En Limited Strength, uso tinta de bolígrafo, un medio tan inflexible como el escrutinio social, para grabar figuras cuyas posturas oscilan entre el colapso y la rebeldía. En Shut Up, el cabello de una mujer se transforma en alambre de púas, atrapando grullas esqueléticas (símbolos tradicionales de sabiduría retorcidos en opresores). El poder del cuerpo radica en su presencia sin disculpas: la desnudez elimina la armadura, obligando a los espectadores a enfrentar la humanidad cruda. La rebeldía no se encuentra en grandes gestos, sino en el acto tranquilo de ocupar espacio sin parpadear.
Los símbolos chinos tradicionales, como las grullas o el cabello, aparecen como líneas de vida y restricciones en tu trabajo. ¿Cómo subviertes intencionalmente estos motivos para criticar narrativas culturales y patriarcales?
Los símbolos culturales son palimpsestos: heredamos su belleza, pero también sus cargas. Las grullas, emblemáticas de longevidad y nobleza en la tradición china, se convierten en implacables enemigos del silencio en Shut Up, picoteando la garganta de una mujer. El cabello, tradicionalmente un marcador de feminidad, se transforma en cadenas o armas. Al distorsionar estos motivos, reflejo cómo los sistemas patriarcales convierten en armas la tradición: lo que estaba destinado a elevar se convierte en una jaula. La subversión aquí es supervivencia, una forma de reclamar narrativas enterradas bajo siglos de expectativas.
Vagabondage captura el costo emocional de la migración a través de un solo paraguas brillante. ¿Qué revela este objeto frágil sobre tu experiencia de desplazamiento y cómo lo traduces en lenguaje visual?
El paraguas amarillo en Vagabondage es mi paradoja: un refugio tan frágil que amenaza con convertirse en una jaula. Su brillo es una súplica desesperada por visibilidad: Mírame, pero no me definas. Pinté el paraguas suspendido en una lluvia apagada, su interior acunando a una figura salpicada de gotas dispersas, como estrellas lejanas: pinceladas sutiles que insinúan sus lazos ambivalentes con el mundo. Flotando en llovizna de tonos grises, el paraguas se convierte en cuna y aislamiento. El desplazamiento no es solo físico, es un estado de suspensión psíquica, anhelando ser reconocido pero resistiendo la categorización. El paraguas no es refugio, es una frontera translúcida entre el yo y el otro.
El medio parece inseparable del mensaje en tu práctica: tinta de bolígrafo, acuarela, óleo. ¿Cómo dan forma estos materiales a la tensión emocional en tu trabajo y qué te atrae de ellos sobre las técnicas digitales o más convencionales?
La permanencia de la tinta de bolígrafo refleja los juicios sociales: una vez marcados, son casi imposibles de borrar. En Limited Strength, sus líneas rígidas reflejan la inflexibilidad de las expectativas de género. La acuarela sangra de forma impredecible (como en las capilares de Anchor), reflejando la frágil resistencia del cuerpo. Las capas táctiles del óleo (Vagabondage) llevan el peso de la memoria. Las herramientas digitales carecen de esta vitalidad; los medios tradicionales respiran, manchan y resisten, son colaboradores, no meros instrumentos.
Anchor se centra en tu tobillo, transformándolo en una metáfora de resistencia. ¿Por qué esa parte del cuerpo y qué revela sobre la fuerza tranquila y a menudo pasada por alto que exploras en toda tu práctica?
El tobillo es un héroe desconocido: soportando peso, pero rara vez celebrado. En Anchor, amplié mi propio tobillo para mapear su terreno: los azules de los hematomas, las redes de tendones como sistemas de raíces. Este microcosmos refleja la resistencia macro. Nos enfocamos en grandes exhibiciones de fuerza, pero la supervivencia a menudo depende de la persistencia tranquila de lo pasado por alto. El tobillo, como la migración, exige una recalibración constante: el equilibrio no es estático, sino un recuerdo muscular de adaptación.
Tu lenguaje visual se sitúa en la intersección del surrealismo y la creación de mitos personales. ¿Cómo te ayuda este enfoque onírico a enfrentar las secuelas psicológicas del desplazamiento cultural y la fragmentación de la identidad?
El surrealismo otorga permiso para fracturar la lógica. Cuando pinto el cabello como lazo y línea de vida (Escape) o collages de operadores de radio de la Segunda Guerra Mundial en paisajes dominados por la inteligencia artificial (Lost and Found), no estoy escapando de la realidad, sino destilando sus absurdidades. La desubicación despedaza la identidad; la reconstitución surreal se convierte en un mecanismo de afrontamiento. Estos paisajes oníricos no son fantasías, sino rayos X emocionales: revelan los huesos debajo de la piel de la “normalidad”.
Como artista moldeada por China, los EE. UU. y ahora el Reino Unido, ¿cómo ha influenciado tu sentido en evolución de ‘hogar’ en tu voz creativa y cómo ves que tu práctica contribuye a las conversaciones sobre migración, memoria y resistencia en un contexto global?
‘Hogar’ para mí es un verbo, un acto de coser raíces a partir de momentos transitorios. Mi trabajo (Lost and Found, Vagabondage) rechaza el mito de pertenecer sin fisuras. Al superponer materiales: texturas descoloridas de papel teñido, fotografías de la Segunda Guerra Mundial, rejillas de panal de cartón espuma, reconstruyo la identidad de los migrantes en forma de patchwork. Globalmente, la migración a menudo se reduce a pornografía del trauma o estadísticas. Mi práctica insiste en su complejidad: es pérdida, pero también invención; ruptura, pero también renacimiento.