Margaux Bouchegnies, quien graba con el nombre artístico de Margaux, es una cantautora con sede en Brooklyn que creció en Seattle. Después de aprender a tocar la guitarra y luego el contrabajo, comenzó a escribir canciones y luego estudió jazz en la New School en Manhattan, aunque más tarde cambió al programa de escritura y se graduó con un título en poesía y no ficción. Actualmente, Margaux toca en la banda de Katy Kirby para una gira europea en apoyo de Blue Raspberry y también ha tocado el contrabajo para Fenne Lily, Allegra Krieger, Dougie Poule y otros. Comenzó a interpretar su propio material como Margaux en 2018, lanzando su EP debut, More Brilliant Is the Hand That Throws the Coin, al año siguiente. Su primer álbum completo, Inside the Marble, no solo navega por el desamor y las ansiedades de crecer con una intimidad sorprendente, sino que las hace sentir proporcionales al peso que tienen con el tiempo: hinchándose y haciéndonos sentir pequeños, atrapándonos y arrastrándonos. Ayudada por el productor Sahil Ansari y colaboradores que contribuyen con trombón, violín y clarinete, Margaux parece llevar estos pensamientos personales en remolino hacia lo salvaje, convirtiendo su debut en un asunto suave, complejo y bellamente dramático.
Nos pusimos al día con Margaux para la última edición de nuestra serie de Artistas Destacados para hablar sobre sus primeros recuerdos musicales, su proceso lírico, su álbum debut y más.
¿Te importaría compartir algunos de tus primeros recuerdos de conectar con la música?
Creo que fue en algún momento de la secundaria cuando empecé a tocar más la guitarra. El vecindario en el que crecí tenía algo durante el verano llamado Beet Walk, que eran simplemente músicos callejeros. Tuve la oportunidad de participar en eso siendo joven, y creo que ahí fue donde empecé a construir mi conexión con la actuación. Y también, a través de la escuela a la que fui, teníamos muchas agrupaciones y cosas dirigidas por estudiantes donde podíamos tocar canciones que nos gustaban o experimentar con escribir canciones. Definitivamente, esos fueron los espacios en los que construí esa conexión por primera vez.
¿Cuándo se convirtió escribir canciones en una verdadera pasión para ti?
Realmente empezó a ser algo para mí durante mi primer año de universidad. Había escrito canciones aquí y allá, un poco en privado o canciones que eran simplemente instrumentales. Pero durante mi primer año, estaba en un programa de jazz tocando el contrabajo y haciendo música de una manera muy académica, y creo que como respuesta a eso, empecé a encontrar alivio en crear mis propias composiciones y en escribir letras. Estaba tomando más clases en el programa de estudios literarios, sintiéndome más inspirada por eso que por el currículo de jazz. Fue entonces cuando comencé seriamente a componer canciones de una manera que finalmente me hizo sentir que quería compartirlas con otros.
Mencionaste que la rigidez de estudiar música te llevó a cambiar tu enfoque académico, pero ¿cómo te inspiró estudiar poesía y otros tipos de escritura en un contexto académico fuera de ese entorno?
Realmente catalizaríamos cosas más allá del trabajo en clase. Simplemente absorber a estos escritores que realmente me inspiraron y me metieron en ese estado mental de querer crear. Eso es algo que estoy descubriendo que extraño mucho sobre esa experiencia, y me doy cuenta de que ahora que estoy fuera de la escuela y he estado fuera de la escuela durante un tiempo, es un poco mi responsabilidad proveerme de esa estimulación y de las cosas que me volverán a inspirar para comenzar a escribir más. Fue muy convincente, no solo para mí, sino para un grupo de personas, y eso realmente energizó mi propia práctica creativa.
¿Sientes que hay una separación entre cómo usas tu voz en poesía y en canciones, o se informan mutuamente?
Siento que vienen del mismo lugar. Es simplemente una de esas cosas en las que sientes que estás en ese estado mental particular donde las cosas fluyen. Siento que, ya sea que esté escribiendo libremente o escribiendo un poema, es un poco la misma sensación que tengo cuando estoy escribiendo una canción. Aunque diré que hay algunas canciones en este álbum donde siento que no logré realmente alcanzar ese espacio, y para mí, realmente puedo escuchar eso en el lirismo. Hay algunas canciones en las que siento que realmente estuve en ese espacio poético, y otras en las que las letras se sienten más directas. Definitivamente prefiero los momentos en los que siento que viene del mismo pozo que cuando estoy escribiendo sin música.
En tu álbum debut, ‘I Wouldn’t Want It Any Other Way’ se siente como una de esas canciones más líricamente directas. Pero me encanta cómo aún hay una sutil ambigüedad en cómo el comienzo del estribillo alterna entre “y” y “pero”. Es como si hubiera tanto una contradicción lógica como una continuidad en no querer perder a tu amiga en el contexto de una ruptura. ¿Sentiste que querías escribir algo más simple mientras aún lidias con sentimientos complicados?
Recuerdo que en ese momento me sentía atascada con la composición, en particular con la dirección en la que iba para la guitarra. Por lo general, comienzo escribiendo la música primero y luego las letras, y creo que estaba frustrada con los obstáculos que me ponía delante de mí misma, pensé, déjame escribir una canción que no sea complicada, tanto musical como líricamente. Quería ser clara sobre lo que estaba diciendo. Pero es uno de esos sentimientos que es difícil de articular, incluso usando frases simples. Es como, ¿cómo realmente explicas el sentimiento de extrañar a alguien pero no querer reconectar? Hay un sentido de pérdida y duelo, pero esa persona técnicamente no se ha ido. Sentí que la mejor manera de explorarlo era dentro de esta canción más directa.
La primera canción, ‘DNA’, me impactó musicalmente con su convergencia de instrumentación acústica y electrónica, que se siente como una forma de complicar y superponer esos sentimientos.
Sí, eso definitivamente resuena. Estaba tratando de ilustrar los diferentes matices de esas emociones. A veces puede sentirse muy simple y destilado, y con algo como la primera canción, donde está bastante arreglada, eso fue definitivamente escrito durante un tiempo de tormenta de sentimientos.
Eso me lleva a ‘Ships’. Otra forma en la que te enfrentas a grandes sentimientos es a través de la metáfora, y realmente exploras eso en esta canción. ¿Ese lenguaje figurativo te resulta útil de alguna manera diferente?
Siento que también hay una parte para mí en la que si hablo sobre este sentimiento en términos que están un poco alejados de los detalles específicos de lo que sucedió y me hizo sentir de esta manera, entonces hay espacio para que se transforme en ser sobre otras cosas también. De cierta manera, siento que no me estoy comprometiendo demasiado directamente con un incidente específico. Aunque todavía se siente personal para mí y siento ese sentido de cercanía, también es liberador no vincularlo demasiado directamente a algo específico. Además, creo que escribir canciones sobre desamor es tan común, y encontrar una forma de no hacer que se sienta como si ya se hubiera dicho antes puede ser un desafío. Puede ser fácil para que esas cosas se sientan trilladas.
Obviamente puede significar cosas diferentes para otras personas, pero ¿sientes que la emoción se ha transformado para ti?
Sí, un poco. Me identifico con los sentimientos que expresé en relación con otras cosas que he experimentado desde entonces. Al final del día, siempre será sobre lo que fue inicialmente, pero es agradable tener esa libertad: hay suficiente espacio entre las palabras y los detalles de mi experiencia que siento que puede crecer, o puedo crecer con ella.
‘Ships’ también tiene uno de los arreglos más maravillosos y enredados del álbum. ¿Cómo fue ponerlo todo junto?
Fue realmente divertido. Esa canción es particularmente antigua; la había grabado en diferentes formas con diferentes sonidos y arreglos en el pasado, y fue divertido llevarla al estudio y soñar con todas las diferentes formas de llevarla a su forma final. Sumergirme en el drama de eso fue muy divertido. El final fue una nueva adición escrita por Willem de Koch, quien tocó el trombón en todo el álbum. Ese fue un día realmente divertido, escuchar lo que se le ocurrió. Encajó de manera tan perfecta con la canción: nunca había hecho eso antes, que alguien más escribiera una parte adicional para una canción que había escrito. Fue agradable ver que tenía esta nueva vida, que tenía la perspectiva de otra persona pero seguía tan en línea con el sentimiento de la canción.
¿Cómo estas y otras canciones del álbum han cobrado una nueva vida para ti?
Con ‘Ships’ específicamente, se convirtió en una canción más larga, lo cual me encantó. Realmente nos sumergimos en eso. La melodía tiene momentos en los que una nota se mantiene por mucho tiempo, y eso era parte de un sentimiento que estaba tratando de expresar ahí, ese peso, algo alargado y arrastrándose. Cuando estás pasando por una especie de ruptura o decepción, realmente no puedes apurar esos sentimientos; a veces se siente como si ocuparan todo tu mundo, y sientes como, “Oh, ¿esto va a ser el futuro previsible?” Siento que agregar ese final, la forma en que enfatizaba lo que la canción ya trataba, la hizo sentir más completa.
Para otras canciones, ‘Sadie Something’ es una que definitivamente llegó a un lugar que no había imaginado del todo antes. Fue divertido incluir instrumentos como el pedal steel y el trombón. Recuerdo que hubo momentos con esa canción en particular donde Sahil y yo estábamos probando cosas que no estábamos seguros de que funcionarían, como algunas cosas de trombón realmente locas y abrasivas que sucedían al final. Siento que algunas de estas cosas eran simplemente más voces en la historia.
Me interesa cómo describes tu relación con el tiempo en el álbum: es algo que se mueve rápidamente, pero tampoco tienes más que tiempo. Cuando estás escribiendo, ¿sientes que piensas en el tiempo de una manera particular que no es accesible cuando no estás en ese espacio mental? ¿Es el tiempo algo que se siente borroso o conflictivo?
Definitivamente siento esa sensación de distorsión del tiempo mientras estoy escribiendo: esa experiencia de estar en un estado de flujo donde ni siquiera estás prestando atención al tiempo. En términos de tiempo como tema e inspiración, creo que gran parte de eso viene de la ansiedad: cuánto tiempo queda, pasar el tiempo sabiamente y eficientemente. Eso se filtra en mi experiencia con la composición de canciones, también siento que, “¿este es algo que vale la pena perseguir o en lo que vale la pena pasar tiempo?” Pero es agradable cuando puedo superar eso. Incluso si solo estoy hablando de cómo estoy ansiosa por eso, todavía se siente catártico que salga una canción de eso.
¿Sientes que escribir canciones casi tiene que ser una oportunidad para detenerte? ¿Hay momentos en los que puedes apresurarte a través de una canción?
No suelo sentir que pueda escribir una canción rápidamente. Me lleva mucho tiempo completar una canción. Siento que soy una de esas personas bastante sensibles al espacio. Por un tiempo, sentía que solo podía escribir canciones cuando volvía a casa a Seattle. Mucho de eso tenía que ver con la sensación de privacidad que podía tener en la casa en la que crecí, y también todos los recuerdos y equipaje que vienen al ir a un lugar que es tan parte de tu persona que ya no encuentras tanto. Eso se sintió muy rico como espacio. Pero no siento que pueda apresurarme a escribir una canción, y cada vez que lo hago, especialmente con las letras, a menudo termino sintiéndome bastante infeliz con lo que sale. Sería bueno encontrar una forma de sentirme un poco menos preciosa acerca de estas cosas, porque casi siento que la mayor parte del tiempo que paso escribiendo es solo superar estos obstáculos.
El título se refiere en parte a la idea de perder la cabeza. ¿Podrías compartir algunos procesos o rituales que te mantienen centrada?
Siento que hacer mi cama es algo grande que me proporciona una sensación de, como, “Bien, esto está hecho.” A veces, para obtener esa claridad mental, necesito ver algo que esté organizado justo frente a mí. Hacer eso consistentemente ha sido una buena manera de sentirme centrada. He estado dibujando más, que es algo en lo que realmente nunca había estado interesada. Ha sido agradable ser juguetona, especialmente con cómo ha cambiado mi relación con la música y la composición de canciones ahora que la he convertido en algo que estoy tratando de perseguir como una carrera y compartirlo con la gente de una manera muy pública. Muchos de esos pensamientos entran en mi mente cuando escribo, así que es agradable tener algo que está muy desconectado de eso pero que sigue siendo una forma de expresarme creativamente.
¿El tocar y estar presente en las canciones de otras personas afecta cómo piensas en las tuyas?
Es interesante, siento que es tan separado en mi cabeza. Cuando estoy de gira con un artista y estoy tocando el contrabajo en su banda, siento que estoy totalmente viviendo en esa música y estoy dedicada a eso en el momento, lo cual creo que es por qué tal vez ni siquiera realmente he estado muy metida en este lanzamiento aún. Siento que estoy haciendo algo en este momento en lo que quiero estar 100% presente. Eso me parece realmente importante, aunque definitivamente estoy muy inspirada por muchos de estos artistas con los que he tenido la oportunidad de hacer giras. Son personas a las que escuchaba antes, y realmente es un gran placer poder tocar música que amo.
Esta entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad y extensión.
Inside the Marble de Margaux ya está disponible a través de Massif Records.