Vale, vamos a dejar esto claro: sí, The Brutalist es larga. Muy larga. Larguísima. Lo cual es lo que podrías esperar de un relato que abarca décadas sobre el encuentro doloroso de un arquitecto superviviente del Holocausto con el sueño americano. Aún así, parece que la duración de tres horas y media se ha presentado como la Exhibición A en el caso contra la película de Brady Corbet; que es demasiado grandiosa, demasiado ambiciosa, demasiado llena de sí misma. ¡Tiene un maldito intermedio, por amor de Dios! ¿Quién se cree este tal Corbet?
Lo cual parece extraño, porque mucho de lo que se ha criticado de la película suele verse como un activo. Para bien o para mal, los hitos del cine estadounidense, desde Ciudadano Kane hasta El Padrino y más allá, tienden a ser películas grandes y musculosas que creen tener algo profundo que decir sobre el país que las crea. Y The Brutalist ciertamente tiene cosas que decir, sin importar cómo te sientas sobre la forma en que las expresa: sobre el arte y el mecenazgo, la relación de Estados Unidos con Europa y el constante torbellino del capitalismo. Con tantas ideas importantes que incluir, esa duración comienza a verse, si acaso, un poco tacaña.
Que se haya podido hacer una película tan ambiciosa es aún más impresionante. Estamos en una era de retirada para el cine independiente, donde muchas películas no logran llegar nunca a la pantalla grande, en lugar de eso se dirigen directamente al streaming y se pierden en el mar de “contenido”, en un momento en que los horizontes se han reducido, junto con los presupuestos. El presupuesto de The Brutalist también es pequeño según los estándares modernos, de menos de $10 millones. Pero dentro de esas limitaciones, Corbet y su equipo han logrado construir una épica americana intransigente, y de alguna manera han obtenido beneficios. Ha requerido bastante sacrificio: Corbet y su pareja, la guionista de la película Mona Fastvold, han tenido que ajustarse (“cambiando el champán por vino espumoso”, como él lo expresa), y el director afirma no haber ganado ni un centavo con su última película. Pero ese es el costo de hacer algo completamente a tus propios términos, de una terca y pura obstinación creativa.
Es una característica que, como muchos han notado, comparte con el personaje central de la película, el arquitecto húngaro ficticio László Tóth, interpretado brillantemente por Adrien Brody. Formado en la Bauhaus, Tóth se ha labrado un nombre en Europa con sus construcciones austeras y de líneas limpias, pero su sustento -y mucho más- se ha visto perturbado por el ascenso de Hitler. Separado de su esposa y su sobrina, ha sobrevivido al Holocausto, pero llega a Estados Unidos sin reputación ni dinero, aunque aún sintiendo la misma picazón de antisemitismo que experimentó en Europa. Tóth pronto cae en la órbita del industrialista de mandíbula rígida Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), cuyo rudo hijo Harry (Joe Alwyn) lo ha reclutado para renovar la biblioteca de su padre como una sorpresa mientras él está fuera de negocios. Al principio, Van Buren odia la dramática actualización de Tóth, con su enfoque en la luz y el espacio, pero la atención de la comunidad arquitectónica finalmente lo convence de su brillantez. Este ciclo de adulación y rechazo entre mecenas y cliente se repetirá a lo largo de la película, a veces violentamente.
Pronto, Van Buren ha encargado a Tóth un proyecto más grande: un vasto centro comunitario en honor a su difunta madre. Su construcción se extenderá a lo largo de décadas, obstaculizada por las cambiantes fortunas financieras de su mecenas, así como por el perfeccionismo inflexible de Tóth (después de todo, solo el mejor mármol toscano servirá). Complicando aún más las cosas es la llegada en la segunda mitad de la película de su esposa, Erzsébet (Felicity Jones), ferozmente protectora de su esposo y con los ojos bien abiertos sobre la persona con la que se ha involucrado.
Es esa segunda mitad -y una escena particularmente impactante que desenreda completamente la relación entre Tóth y Van Buren- la que más ha dividido a los críticos. Ciertamente, el gran momento animador de The Brutalist no es sutil, pero gestos sutiles no encajarían realmente con la película. Todo en ella, al igual que el movimiento del que toma su nombre, está diseñado para ser imponente, desde la cinematografía contundente y de ángulos amplios de Lol Crawley hasta la banda sonora implacable y abrasiva de Daniel Blumberg. Pero esta también es una película que busca mantener tu atención una vez que la captura, con una trama directamente trazada y un ritmo propulsivo. Ayudado por el intervalo muy criticado pero finalmente refrescante de la película, esa duración de más de tres horas y media pasa volando.
Ayuda que las interpretaciones sean tan buenas como lo son. Este es un impresionante regreso a la prominencia como protagonista para Brody, cuya carrera parecía haberse reducido a la de un actor de reparto estelar: apareciendo entretenidamente en Succession o en las películas de Wes Anderson, pero rara vez proporcionado con algo realmente sustancioso. Ese ciertamente no es el caso aquí: Tóth es tanto una figura de inmensa simpatía como a veces realmente antipática -testarudo, resentido, malhumorado- y Brody es capaz de resaltar sus bordes afilados. Igualmente impresionante es la interpretación de Pearce como Van Buren, un personaje que fácilmente podría caer en una caricatura de voz retumbante y sangre azul. Pero su Van Buren también alberga un complejo de inferioridad del infierno hacia el esteta europeo que ha entrado en su vida, uno que intenta vencer con dinero y la fuerza de carácter estadounidense.
Esa tensión se siente oportuna mientras tanto Estados Unidos como Europa reevalúan su relación mutua. Es una de las muchas razones por las que, a pesar de su ambientación en época, The Brutalist se siente actual. Esta es una película que busca impresionarte hasta la sumisión con sus imágenes e ideas gigantescas. Cuando se trata de la mejor película de este año, la Academia debería pensar en grande.