En este momento del 2024, es un buen momento para reflexionar sobre algunos de los mejores álbumes del año hasta ahora. En lo que respecta a la música pop, ya hemos tenido importantes lanzamientos de Beyoncé, Taylor Swift y Ariana Grande, pero es BRAT de Charli XCX, aún fresco después de su lanzamiento, el que ha capturado el espíritu del tiempo. En el mundo de la música indie, Cindy Lee se convirtió en una sensación underground, favoritos del blog-rock como Vampire Weekend y MGMT entregaron material desgarrador, y The Last Dinner Party logró estar a la altura de la expectativa. Mientras tanto, Adrianne Lenker, Waxahatchee y Jessica Pratt lanzaron algunos de los discos de cantautores más conmovedores que hemos escuchado en esta década. Echa un vistazo a nuestra lista en orden alfabético de los 30 mejores álbumes de 2024 hasta ahora.
Adrianne Lenker, Bright Future
“Miramos al mundo una vez, en la infancia”, escribió Louise Glück en su poema ‘Nostos’. “El resto es memoria”. La cita me viene a la mente cada vez que escucho el nuevo álbum de Adrianne Lenker, Bright Future, que podría, como su título sugiere, estar mirando hacia el futuro, pero se permite el tesoro de recordar, la libertad de detenerse en memorias que se desvanecen y se endurecen con el paso de los años. Lenker, cantante principal de Big Thief y una de las compositoras más aclamadas de hoy en día, grabó su nuevo álbum en un estudio escondido en el bosque con su colaborador frecuente Philip Weinrobe y amigos como Nick Hakim, Mat Davidson y Josefin Runsteen. Tal vez Lenker – en un entorno tan afortunado, no tiene mucho motivo para presentar su nuevo disco removiendo pasado trauma. Pero en estas circunstancias afortunadas, encuentra la claridad de sus sentidos despertada como lo estaban cuando corría por el bosque de niña. Lee la reseña completa.
Beth Gibbons, Lives Outgrown
En las últimas dos décadas, la producción discográfica de Beth Gibbons ha incluido el sombríamente inquietante álbum de regreso de Portishead en 2008, Third, una magnífica interpretación de la Sinfonía N.º 3 de Henryk Górecki, grabada con la Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio Polaca en 2019, y una memorable aparición en ‘Mother I Sober’ de Kendrick Lamar en 2022. En su propia escritura, Gibbons, ahora de 59 años, no desempaca el trauma intergeneracional de la forma en que Lamar lo hace en esa canción, pero su interpretación del estribillo logra encapsular perfectamente el anhelo enredado en su núcleo. Esos grandes nudos de tiempo están entrelazados en su música, también, por más inscrutables que sean, y más allá de sentirlos agudamente, Lives Outgrown es su oportunidad de dejarlos desplegarse. Sus meditaciones sombrías, pesadas, escalofriantes nunca se quedan más de lo necesario, haciendo un uso brillante tanto del tiempo como del espacio. Lee la reseña completa.
Charli XCX, BRAT
Inicialmente, la presentación de BRAT insinuaba un enfoque bastante centrado: un regreso a las raíces de la cantante en los clubes con la ayuda de colaboradores cercanos versados en su lenguaje, como A.G. Cook y EasyFun. En un entorno en vivo, las coqueteos mainstream de CRASH también significaban abrazar sus eras anteriores, mientras que BRAT se centra en el presente y solo está interesado en recontextualizar viejos éxitos que pueden encajar en su repertorio, con la palabra “PARTY” acechando detrás de ella. Pero aunque pueda ser un disco de fiesta, incluso un disco de club, Charli trata estos espacios con la misma sutileza que se le otorga a la cantante de la que se dice que es el tema de ‘Girl, so confusing’. Quizás sea demasiado fácil para un artista con la autoconciencia de Charli guiñarle un ojo a su lugar en el panorama pop, gamificado como está. Pero ninguna de las referencias en BRAT se interpretan totalmente como tales; incluso si se convierten en motivo de especulación, Charli se centra en la emoción, no en la persona o en el mundo al que pertenecen. Lee la reseña completa.
Chelsea Wolfe, She Reaches Out to She Reaches Out to She
El título del nuevo álbum de Chelsea Wolfe puede apuntar a la continuación de un ciclo infinito, pero también marca lo que la artista ha llamado un “renacimiento”. Aunque una vez más envuelta en una tormenta de ruido, efectos de sonido y electrónica, la música de Wolfe se presenta más como una práctica meditativa que como un esfuerzo por trazar un viaje enigmático y fantástico alrededor del yo. En lugar de otro reinicio de límites musicales o un simple retroceso a sonidos más antiguos y pesados, su objetivo es la reconciliación de “oscuridad y comodidad”, en sus palabras, avanzando hacia la luz en los caminos convergentes de la auto-realización y el deshacerse. Ahora ha encontrado formas de separar la naturaleza sombría y gótica de su trabajo pasado de la perpetuidad del trabajo y la inquietud, lo que lleva a su álbum más espectralmente catártico y eufórico hasta la fecha. Lee la reseña completa.
Cindy Lee, Diamond Jubilee
En lo que respecta a la música indie y underground, Diamond Jubilee de Cindy Lee es la historia de éxito más grande de 2024. A pesar de no estar disponible en plataformas de streaming, el álbum ganó tracción a través del boca a boca y recibió la puntuación más alta de Pitchfork en cuatro años después de su lanzamiento. Entre los lanzamientos de alto perfil de Beyoncé y Taylor Swift, no podría ser más fácil apoyar a Cindy Lee, la persona en el escenario del compositor y guitarrista Patrick Flegel, que ha sacado varios discos bajo el seudónimo después de un tiempo como líder de la banda de post-punk de los 2000, Women. Pero cuando lo escuchas con tus auriculares – es el tipo de álbum que te acompaña mientras miras por la ventana en un largo viaje – la extensión fantasmal de la música parece más grande que cualquier hype que la rodee: melancólica, impactante, brillantemente ejecutada y el único disco de 2024, además de Here in the Pitch de Jessica Pratt, merecedor del término “hipnagógico”.
Crumb, AMAMA
El tercer álbum de Crumb, AMAMA, no es menos hipnótico y desconcertante que el material anterior de la banda de Nueva York, pero anhela mantener los pies en la tierra. La cantante y multiinstrumentista Lila Ramani, el tecladista y saxofonista Bri Aronow, el bajista Jesse Brotter y el baterista Jonathan Gilad siguen siendo experimentadores errantes, y el nuevo disco – producido en Los Ángeles junto a Johnscott Sanford y Jonathan Rado de Foxygen – afina esa cualidad al encerrarse inquietamente en un ritmo y desviarse juguetonamente de él. Pero, abstracto como sigue siendo, la composición de canciones de Ramani también es tierna y reflexiva, introspectiva y emocional, hilando signos de su crianza con recuerdos de los primeros días de gira de la banda. Pero a través de estos viajes, más allá de lo que podríamos llamar razonablemente el camino de la memoria, Crumb despierta a una comprensión más sólida y presente del hogar. Lee nuestra entrevista de inspiración con Crumb.
DIIV, Frog in Boiling Water
El nuevo álbum de DIIV, Frog in Boiling Water, toma su título de la “Rana Hirviendo” en la novela de 1996 de Daniel Quinn, The Story of B. La premisa es conocida y evidente: si echas una rana en una olla de agua hirviendo, saltará instintivamente; pero si la colocas en agua tibia y aumentas gradualmente la temperatura, se dejará engañar por la comodidad y hervirá hasta morir. Los resultados no son ni completamente sombríos ni esperanzadores, y Frog es menos un álbum explícitamente político que uno políticamente orientado hacia afuera, tras una serie de álbumes centrados en la adicción y la enfermedad mental. Por mucho que se enrarezca con ansiedad y desesperación existencial, el disco es a la vez inquietante, tranquilizador, ácido y fascinante, una culminación del sonido único de DIIV después de su intento de hacer un álbum de shoegaze “correcto” con Deceiver en 2019. Lee nuestra entrevista de inspiración con DIIV.
Ducks Ltd., Harm’s Way
En esencia, el atractivo o enfoque de Ducks Ltd. no ha cambiado mucho: su estilo de jangle-pop sigue siendo contagiosamente melódico, sorprendentemente poético y sorprendentemente existencial para lo despreocupado que suena. Pero con su segundo álbum, han encontrado formas sutiles de expandir y abrir su sonido ya seguro. En lugar de grabar el LP ellos mismos, la banda fue a una nueva ciudad y colaboró con un productor externo, Dave Vettraino, que ha trabajado en discos de músicos que contribuyeron a Harm’s Way, incluidos Macie Stewart y Jason Balla de Dehd. Por más fuertes y dinámicos que puedan ser los arreglos, la nueva confianza solo afirma el rasgo más distintivo de la banda: atreverse a hacer canciones frenéticamente azucaradas y meticulosamente elaboradas sobre todo tipo de estructuras colapsantes. Lee nuestra entrevista de inspiración con Ducks Ltd.
Ekko Astral, pink balloons
Apodando su estilo – una mezcla intransigente de hardcore, noise punk y no-wave – “música de mosh pit con máscara de pestañas”, el álbum debut de la banda de Washington, DC, producido por Jeremy Snyder de Pure Adult, es a su vez estimulante, ruidoso y inquietante, pero nunca totalmente desalentador – enfrentando un mundo de sufrimiento y desilusión no solo señalando hacia él, sino invocando y subvirtiendo incesantemente cómo se siente habitarlo. Tan hiperreferenciales como son exactos, las letras de Jael Holzman son tan fascinantes como la música que las impulsa hacia adelante. “Puedo verte moviéndote en tu asiento”, entona al principio, pero Ekko Astral asegura que permanezcas atado. Lee nuestra entrevista de artista con Ekko Astral.
Erika de Casier, Still
El mundo de Erika de Casier se siente naturalmente acogedor. Hasta ahora, la producción de la artista nacida en Portugal y danesa ha estado marcada por una rica interioridad; se toma en serio la idea de pop de dormitorio, iluminando el espacio donde comúnmente se consume y se crea la música pop, ya sea de manera casual o con pasión feroz. Sensuales, texturizados y elegantes como suelen ser sus canciones, también muestra un sentido del humor juguetón que elevó su segundo esfuerzo, Sensational de 2021, cuyo título continuó el descaro irónico de su debut, Essentials, mientras encontraba nuevas formas de irradiar confianza de manera silenciosa. Al final del álbum, el viaje de de Casier se siente sutilmente desafiante; recibe al oyente prometiendo “mucha diversión”, y luego muestra más aspectos de ella de los que los nuevos o antiguos fanáticos podrían esperar. Lee la reseña completa.
Friko, Where we’ve been, Where we go from here
Producido conjuntamente por Scott Tallarida, con producción adicional de Jack Henry, y masterizado por Heba Kadry, el primer álbum completo de Friko es una expresión conmovedora y dinámica de su sonido, equilibrando emocionantes estallidos con momentos de contemplación soñadora. Con contribuciones de Sofia Jensen de Free Range y Macie Stewart de Finom, el álbum se caracteriza por una energía comunal que lo anima justo cuando las canciones se desvían hacia la abstracción ruidosa y melancólica. “Reiré, llorarás/ Nuestro mundo dentro de una canción”, canta Kapetan en ‘Until I’m With You’, su voz casi rompiéndose. La canción es solitaria, anhelante, pero se compromete – como el álbum en su conjunto – a enmarcar la música como una forma de comunión en sí misma. Lee nuestra entrevista de artista con Friko.
glass beach, plastic death
El primer álbum de glass beach fue audazmente maximalista y salvajemente inventivo en la forma en que fusionaba y revitalizaba elementos de pop-punk, bedroom pop y art rock; el efecto era a veces juguetonamente caricaturesco, extraño, inquietante y hiperreal. Su esperado segundo álbum, plastic death, es igualmente ambicioso pero aún más deliberado e inmersivo, no solo al unir estilos dispares que van más allá de su identificación original como un grupo “post-emo”, sino también al yuxtaponer ganchos pegajosos y arreglos laberínticos, estructuras de canciones engañosamente simples y épicos polirrítmicos de varias partes. Emocional y temáticamente, también, el giro de J. McClendon hacia la abstracción les permite examinar la relación entre la agresión y la ternura, la nostalgia que se convierte en manía, el yo a través de la sociedad, de una manera que no elude la realidad presente tanto como la señala violentamente. Lee nuestra entrevista de pista por pista con glass beach.
Good Looks, Lived Here for a While
Tras el radiante álbum debut de Good Looks, Bummer Year, Lived Here for a While es un álbum auspicioso y astutamente triunfante que destaca la interacción dinámica de la banda de Austin, incluso en los momentos más contemplativos. Las canciones, aunque abiertas de corazón y épicas, aún se centran en la curación, ya sea lidiando con la disfunción familiar, el desamor o el país fracturado que llaman hogar. Tyler Jordan es un compositor dolorosamente consciente, y sus compañeros de banda saben cómo conectarse con sus preocupaciones; juntos, avanzan. Lee nuestra entrevista de artista con Good Looks.
Grandaddy, Blu Wav
Jason Lytle viste las canciones de su primer álbum de Grandaddy en siete años – muchas de ellas baladas o valses lentos – con un montón de pedal steel (interpretado por Max Hart), su dulzura equilibrada por electrónica desequilibrada, sobre una base de guitarras acústicas, piano y armonías vocales exuberantes. El sonido de Blu Wav se siente tanto de otra época como atemporal, si no futurista, y su calidez es casi tan omnipresente como la melancolía. Si un título de canción como ‘You’re Going to Be Fine and I’m Going to Hell’ da la impresión de que Lytle está tratando los momentos de desamor y depresión con una dosis de humor, no hay forma de confundir la vulnerabilidad inquietante de canciones como ‘On a Train or Bus’ y ‘Ducky, Boris and Dart’. Es un viaje que vale la pena seguir, todo resumido en las primeras letras del primer sencillo ‘Cabin in My Mind’: “Bueno, es un camino largo y solitario/ Pero hay un resplandor seguro y amoroso”. Lee nuestra entrevista de inspiración con Grandaddy.
Hovvdy, Hovvdy
Su nuevo álbum homónimo los ve continuando su colaboración con el productor Andrew Sarlo y el multi