Roe Moore es una directora, productora y supervisora de guiones dinámica centrada en la comedia con sede en Los Ángeles, California. Nacida y criada en Aurora, Colorado, la pasión de Roe por contar historias se encendió temprano, inspirándola a asistir al Conservatorio Second City, donde perfeccionó sus habilidades en improvisación y comedia de sketches. Pasó a actuar en stand-up en lugares icónicos como The Comedy Store, Laugh Factory e Ice House. Influenciada por los estilos cómicos de Edgar Wright y Adam McKay e inspirada por películas como Love Actually y Anchorman, Roe quería ir más allá del stand-up y llevar su voz única al panorama de la comedia a través de la escritura y dirección.
Su carrera en el entretenimiento comenzó como asistente de dirección y supervisora de guiones, bajo la tutela del veterano Mark Thomas, en proyectos de alto perfil, incluyendo el Reencuentro de El Príncipe de Bel-Air de HBO Max, RuPaul’s Drag Race de VH1 y Earth to Ned de Disney+. Sus créditos como supervisora de guiones se extienden también a programas como Lucha Underground y Andi Mack, así como a largometrajes como Rust Creek y Madness in the Method.
La destreza directiva de Roe ha sido reconocida en varios festivales de cine, obteniendo múltiples nominaciones y premios por sus cortometrajes cómicos. Entre sus trabajos destacados se encuentra How We Met, que recibió el premio “Mejor Directora” en el Festival de Cine de Mujeres de Nashville y “Mejor Escritura” en el Festival de Cine Glass Ceiling Breakers. Además, su proyecto We Were Young ganó “Mejor Cortometraje” en el Festival de Cine Black Magic Collective, y Drive to Airport obtuvo múltiples premios, incluido “Mejor Cortometraje de Comedia” en el Show Low Film Festival.
Su proyecto de 2024, Undercover Wrestler, muestra a un luchador vigilante repartiendo justicia al estilo de la WWE por unas papas fritas robadas en corte crinkle-cut. Fue nominado en varios festivales, incluido el Festival de Cine Internacional de Pasadena y el Festival de Cine Austin After Dark.
Más allá de su trabajo creativo, Roe está profundamente comprometida con la defensa dentro de la industria. Es una participante activa en el Future Women of TV del Black Magic Collective, la Alliance of Women Directors y Women In Media. En 2023, participó en el Get It Made Program del Centerframe U.K. y se desempeñó como mentora en la iniciativa de Diversidad e Inclusión del Gremio de Productores de América.
Mirando hacia el futuro, los objetivos profesionales de Roe incluyen dirigir su primer largometraje o piloto independiente y establecer a PiePie Productions como un referente en el género de comedia. Sus próximos proyectos incluyen Uncle y Walkies (ambos en preproducción) y Hardly Easlie y Death By Chocolate (ambos actualmente en desarrollo).
Con un compromiso apasionado con la narración que resuena con audiencias en todas partes, está preparada para tener un impacto duradero en la industria. Roe equilibra sus búsquedas profesionales con una vida personal vibrante. Una ávida corredora de medio maratón y apasionada repostera, disfruta pasar su tiempo libre con su perro salchicha, Happy, y su corgi, Seager.
Crédito de la foto: Claudia Hoag
“We Were Young” se estrenó en el Festival de Cine del Blackmagic Collective. ¿Puede compartir la inspiración detrás de esta película y lo que espera que la audiencia se lleve de ella?
La inspiración para We Were Young surgió de una reunión de café con mi amiga y la escritora/actriz de la película, Johny Walsh. Estábamos hablando sobre los sentimientos universales de nostalgia y la naturaleza agridulce del amor perdido en la juventud; especialmente el tipo que permanece contigo mucho tiempo después de que ha terminado y el chico aparece años más tarde actuando como si nada hubiera cambiado. A medida que hablábamos más sobre la idea, nos dimos cuenta de que no había muchas historias que capturaran la lucha de decir “¡Basta!” y alejarse de algo que ya no te sirve. Desafié a Johny a que lo escribiera, prometiendo producir y dirigir, ¡y afortunadamente, ambos cumplimos!
Al hacer esta película, salí de mi género de comedia hacia el drama. Fue un desafío que fue inesperadamente gratificante y vino con una curva de aprendizaje. Este cambio me obligó a repensar cómo abordar la narración. Tuve que depender menos del tiempo cómico y más de sutilezas como el tono y la interpretación para evocar emociones.
Con esta película, esperamos que la audiencia reflexione sobre sus propias experiencias con el amor y la pérdida, y finalmente encuentre empoderamiento al dejar ir relaciones que no eran adecuadas para ellos.
Como directora enfocada en la comedia, ¿cómo abordas el equilibrio entre el humor y la narración? ¿Hay ciertos temas o mensajes que intentas transmitir a través de la comedia?
Me gusta pensar en el humor como una forma de descubrir la verdad. Ya sea algo desconocido o tan familiar que lo evitamos, la comedia derriba muros y ofrece perspectivas frescas. Como directora de comedia, baso el humor en experiencias relacionables, permitiendo que la audiencia se involucre con temas más profundos de una manera que se sienta accesible.
Mi trabajo a menudo explora la complicación de las relaciones: cómo nos conectamos, qué sucede cuando esas conexiones se ponen a prueba y el caos que sigue cuando se pierden. Las relaciones son una mina de oro para la comedia porque son tan universales y a menudo ridículas.
Por ejemplo, mi cortometraje Breakfast Salad utiliza un estilo de falso documental para explorar peculiaridades cotidianas, mezclando momentos guionados e improvisados para crear una intimidad juguetona con la audiencia. Mientras tanto, We Were Young equilibra el humor con un peso emocional a través de interpretaciones sutiles y una narración realista, abordando temas de amor y pérdida sin abrumar al espectador.
En todos mis proyectos, mi objetivo es explorar la absurdidad y la belleza de las relaciones, utilizando el humor para ayudar a las personas a reír, reflexionar y verse un poco a sí mismas en las historias.
Tus inicios de carrera como asistente de dirección y supervisora de guiones en proyectos de alto perfil como RuPaul’s Drag Race y Earth to Ned. ¿Cómo estas experiencias han moldeado tu estilo de dirección y enfoque de producción?
Muchísimo. Trabajar en producciones de alto perfil ha moldeado quién soy como directora de innumerables maneras. Fortaleció mi resistencia mental y me enseñó a ser un líder positivo y constante bajo presión. Tuve la oportunidad de ver trabajar a algunos de los mejores de la industria, aprendiendo no solo de sus éxitos, sino también de sus errores, lo que me ayudó a entender cómo prepararme mejor para cualquier proyecto.
También aprendí cómo manejar todo tipo de equipos, adaptarme rápidamente cuando las cosas no salían como se planeaba y mantener todo funcionando sin perturbar la creatividad de los actores o el equipo. Me dio un verdadero aprecio por la colaboración y me mostró cuánta magia puede suceder cuando permites espacio para la espontaneidad. Esas lecciones han sido invaluables y continúan moldeando cómo abordo cada proyecto que dirijo.
Has citado a Edgar Wright y Adam McKay como influencias. ¿Qué aspectos de su trabajo intentas incorporar en tus propias películas y cómo aportas tu perspectiva única al género de comedia?
Admiro el ingenio visual de Edgar Wright; es algo que estoy estudiando muy de cerca. La capacidad de Adam McKay para puntuar los momentos cómicos en la cultura de manera memorable es algo que admiro. Para ambas influencias, quiero emular cómo señalan las rarezas de la vida. Pude captar más la intención de Adam McKay en mi cortometraje Breakfast Salad al resaltar las creencias neuróticas del personaje sobre no desayunar para ensalada y el caos que se produce cuando chocan las personalidades.
Tu cortometraje “How We Met” ganó premios a la Mejor Directora y Mejor Escritura. ¿Cómo fue el viaje desde el concepto hasta la pantalla, y qué aprendiste de la creación de esa película?
How We Met comenzó como parte de los Equipos Digitales de Gold Comedy, una plataforma para que mujeres y personas no conformes con el género colaboren y fortalezcan sus habilidades cómicas. Dentro de mi equipo, Leigh Ceistro propuso la idea, y juntas la llevamos a la vida a través de la colaboración.
De muchas maneras, esto se sintió como suerte de principiante, pero también me enseñó mucho. Aprendí lo importante que es estar preparada al trabajar con un director de fotografía, usando referencias para descubrir el estilo visual, y cómo trabajar con actores para sacar esos momentos cómicos perfectos. Una de las lecciones más grandes fue darme cuenta de cuánto se conecta el público con la especificidad. Los pequeños detalles marcaron una gran diferencia en cómo resonaba la historia.
A través de PIEPIE Productions, estás construyendo una marca en torno a la comedia. ¿Cuáles son algunos de tus objetivos a largo plazo para la empresa y cómo ves que contribuye al panorama de la comedia?
Mi plan a largo plazo con PiePie Productions es construir un centro donde la comedia prospere, se sienta fresca, inclusiva y sin miedo de abordar temas más profundos de maneras inesperadas. Mientras nos hemos centrado en contenido de formato corto para establecer nuestra marca y calidad, los próximos pasos incluyen largometrajes y series de televisión. Ahí es donde realmente podemos crear contenido para una audiencia más amplia.
La comedia puede ser un género muy colaborativo. ¿Cómo trabajas con actores y equipo para crear un ambiente que fomente la improvisación y el tiempo cómico?
Crear un ambiente alegre donde el fracaso no solo sea aceptado, sino abrazado, es esencial. Cuando los actores y el equipo se sienten seguros de correr riesgos, es cuando ocurre el mejor trabajo. Me gusta comenzar dejando que los actores exploren la escena por su cuenta, encontrando sus propios ritmos y emociones. A partir de ahí, se convierte en una colaboración para profundizar y descubrir todo el oro que podamos. Incluso una vez que las cámaras están rodando, hay tanto potencial en los accidentes felices y los momentos no planificados. He aprendido a tener una mentalidad de que todos están buscando hacer su mejor trabajo, por lo que no me corresponde juzgar su trabajo. Es cuestión de lo que funciona mejor para la situación.
Tu proyecto “Undercover Wrestler” tiene una premisa única sobre un luchador vigilante. ¿Cómo se te ocurrió esta idea y cuál fue el desafío más grande para darle vida?
Dando crédito donde se debe: Joseph Dailey (escritor/actor) tuvo la idea durante una clase de escritura de sketches que estaba tomando. Rinde homenaje a su experiencia y la de su padre viendo WWE cuando crecía. Me enamoré de ella por mi propia adoración por el concepto salvaje y la delicia de ejecutar una película llena de acrobacias. Trabajar con mi amiga y coordinadora de acrobacias Anne Westcott me empujó a pensar visualmente en cómo las acrobacias podían servir a la historia y a la comedia. Por ejemplo, coreografiamos una acrobacia para exagerar la ridiculez de la personalidad del luchador manteniéndola fundamentada en el viaje del personaje.
Como miembro de organizaciones como la Alliance of Women Directors y Women in Media, estás involucrada en la defensa de la diversidad en la industria. ¿Cómo ves tu papel en impulsar el cambio, y por qué es importante este trabajo para ti?
La industria ha necesitado cambio durante mucho tiempo, y finalmente estamos viendo progreso con más voces diversas tanto en pantalla como detrás de la cámara. Este cambio ha generado un auge en perspectivas frescas y nuevas historias, algo que priorizo activamente en mis propias producciones.
Para mí, la diversidad no se trata solo de representación en términos de antecedentes, también se trata de reunir una variedad de experiencias. Siento una fuerte responsabilidad de encarnar el cambio que quiero ver en la industria. Ya sea que esté contratando equipo o elenco, siempre me enfoco en crear un ambiente donde diferentes voces puedan prosperar y compartir sus perspectivas únicas. Es refrescante ver a un equipo de diversos orígenes trabajar juntos para llevar una historia adelante.
Este trabajo es personal para mí porque sé que no estaría donde estoy hoy si otros antes que yo no hubieran allanado el camino. Es mi responsabilidad no solo mantener ese camino abierto, sino también ensancharlo para otros que vienen a continuación.
¿Puedes contarnos sobre algunos proyectos próximos, como “Uncle” y “Walkies,” y cómo continúan tu enfoque en la comedia y la narración?
Ambos proyectos tienen su propio sentido único de humor y me empujan creativamente porque se inclinan hacia mi segundo tipo de comedia favorita: el humor británico. Crecí viendo programas como ¿Se Sirve Usted? y Mr. Bean, por lo que ser socio de los escritores de estos proyectos a través de la iniciativa Get It Made de la comunidad cinematográfica con sede en el Reino Unido Centerframe se siente como cerrar un círculo completo.
Uncle es particularmente oportuno, ya que explora a una pareja de lesbianas navegando por el descubrimiento de su hijo adolescente sobre su donante de esperma a través de una serie de eventos cómicos. Es una comedia rápida, llena de diálogo, inspirada en el ingenio y el ritmo del trabajo de Amy Sherman-Palladino. La historia está llena de corazón y humor, y estoy emocionada de dar vida a sus vibrantes personajes.
Walkies toma un enfoque diferente: llevando el humor y el encanto a explorar la salud mental de una manera que se enfoca en cómo manejamos y vivimos con nuestros desafíos en lugar de la ilusión de “curarnos” de ellos. A partir de mi experiencia con la depresión y la ansiedad, sé que estas luchas no desaparecen simplemente. Aprendemos a adaptarnos, encontrar mecanismos de afrontamiento y depender del apoyo. Esta película aborda de manera ligera estos temas a menudo estigmatizados, ofreciendo a la audiencia la oportunidad de verse a sí mismos y a su resistencia de una manera más positiva. La historia también cuenta con un animal de apoyo emocional robótico, y nos hemos asociado con TomBot para mostrar cómo estos dispositivos pueden ser una maravillosa alternativa para las personas que no pueden tener una mascota viva debido a alergias u otras limitaciones. Es un elemento único y edificante de la historia que enfatiza encontrar soluciones a los desafíos de la salud mental de maneras inesperadas.
Tanto Uncle como Walkies reflejan mi pasión por usar la comedia para explorar temas más profundos, ofreciendo ligereza mientras fomentan la conexión emocional. Estos proyectos son un testimonio del poder del humor para acercarnos al corazón de una historia y ayudarnos a vernos a nosotros mismos de nuevas y esperanzadoras maneras.
¿Qué consejo darías a las mujeres y otros grupos subrepresentados que deseen ingresar a la dirección o la comedia?
Deja de esperar permiso. Nunca hay un momento “correcto” para comenzar, ¿entonces por qué no ahora? Si no hubiera avanzado a toda marcha con las películas que he hecho hasta ahora, no habría adquirido las habilidades, experiencia y crecimiento que tengo hoy. Sigo aprendiendo con cada proyecto.
Una vez que hayas comenzado, céntrate en dominar donde estás, ya sea haciendo cortometrajes, creando contenido en redes sociales o asumiendo tus propios desafíos creativos. No dejes que el miedo a lo que otros puedan pensar te detenga y sintoniza a los detractores. Tu trabajo en los primeros días es descubrir quién eres como artista, qué te hace reír y cómo quieres contar tus historias