Bob Dylan – Rough and Rowdy Ways (2020)
Durante un tiempo, parecía que Dylan podría estar acomodándose en la suave corriente abajo del American Songbook y los estándares pop, lanzando tres álbumes de versiones de este tipo a finales de la década de 2010. Luego, en 2020, lanzó esta obra maestra. Peculiar, poética y en gran medida preocupada por el propósito del arte, sus 10 pistas parecían no solo canciones originales, sino pensamientos sorprendentemente originales. El sencillo principal del álbum fue “Murder Most Foul”, que duraba 16 minutos y 54 segundos, contaba con la colaboración de Fiona Apple y Blake Mills, y consideraba el asesinato de JFK en el contexto más amplio de la historia política y cultural de Estados Unidos. Fue audaz y maravilloso.
Ninguna de las otras pistas del álbum tocaba tal magnitud, pero mantenían la complejidad y precisión lírica, y las frecuentes referencias a otras obras, desde Warren Zevon hasta Walt Whitman, pasando por Charlie Poole, Mary Shelley y el antiguo poeta romano Juvenal. Abrazaban el folk acústico, el blues eléctrico y una vocal que parecía estar compuesta de alquitrán y resina, percebes y blanqueo al sol; el sonido, tal vez, del tiempo mismo. LB
The Rolling Stones – Blue & Lonesome (2016)
Es tentador nominar a “Undercover” de 1983 como el gran álbum de los Stones de sus años posteriores, no perfecto, pero experimental y comprometido. Y si bien artísticamente claramente es un álbum tardío de los Stones, cronológicamente proviene del primer tercio de su carrera. ¿Eso lo convierte ahora en un álbum temprano de los Stones? En su lugar, prueba con “Blue and Lonesome”, el raro álbum de los Stones desde “Some Girls” que merece la a menudo repetida afirmación de ser “el mejor desde Some Girls”.
“Blue and Lonesome” fue el álbum de regreso a sus raíces, 12 viejas canciones de blues, grabadas en tres días en Londres, con mínimos adornos. Es crudo, vibrante y emocionante, un álbum que suena como músicos tocando para cada uno en lugar de intentar hacer un disco para tener una excusa para salir de gira nuevamente. La armónica de Mick Jagger a lo largo de todo es fantástica, y todo el conjunto sirve como un epitafio adecuado para Charlie Watts, cuya batería le da a “Blue and Lonesome” su swing. MH
Aretha Franklin – A Rose Is Still a Rose (1998)
El hip-hop no es un género que asociarías inmediatamente con Aretha Franklin. Para 1998, la diva de 56 años había lanzado más de 30 álbumes, definiendo el sonido del soul, R&B y gospel del siglo XX. Pero antes de que llegara el nuevo milenio, decidió cambiar hacia una dirección inesperada y emocionante. El 34° disco de Franklin, “A Rose Is Still a Rose”, es una reinvención en la última etapa de su carrera que cuenta con los productores de hip-hop Jermaine Dupri y Daryl Simmons, así como la vocalista Lauryn Hill, explorando ritmos boom bap, R&B sensual y himnos que hacen referencia a Mariah Carey a lo largo de sus 11 pistas.
Entre los aspectos más destacados se encuentran las cuerdas orquestales envolventes y los tambores programados contundentes de la pista de apertura, la muestra del éxito de Carey de 1995 en “Fantasy” en “Here We Go Again”, y el funk impulsado por el bajo de “Watch My Back”. La voz de Franklin está en forma típicamente potente, elevándose sin problemas sobre las producciones contemporáneas y demostrando su tono atemporal. AK
Willie Nelson – God’s Problem Child (2017)
La edad no ha frenado a Willie Nelson a lo largo del siglo XXI y continúa lanzando álbumes a un ritmo rápido. Dicho esto, tienden a ser homenajes a cantantes favoritos (o duetos) – agradables pero prescindibles.
Pero “God’s Problem Child”, lanzado para coincidir con su cumpleaños número 84, encontró a Willie elevando su juego al centrarse en la mortalidad. Las siete canciones originales de Nelson aquí son en su mayoría celebraciones de una vida bien vivida: en “Still Not Dead” se ríe de informes sobre su muerte, “It Gets Easier” es un himno a los placeres simples que permite el envejecimiento, mientras que “Delete and Fast Forward” es un rechazo enérgico de la victoria reciente de entonces de Donald Trump. “He Won’t Ever Be Gone” es un conmovedor tributo a Merle Haggard (el cantante de country que murió en 2016) mientras que la canción principal es una meditación impregnada de blues sobre una vida imperfecta pero bendecida. A lo largo de este destacado álbum, Nelson canta con una gracia exquisita. GC
Donna Summer – Another Place and Time (1989)
Su príncipe con tupé era Rick Astley, su princesa brillante claramente era Kylie, pero el imperio de finales de los años 80 de Stock Aitken Waterman necesitaba una reina. Entra Donna Summer. “Another Place and Time” surgió después de que el esposo de Summer, Bruce Sudano, se encontrara por casualidad con Pete Waterman en Los Ángeles; Sudano pensó que los británicos podrían añadir un impulso comercial a la carrera de su esposa, que estaba en declive después de su apogeo disco de los años 70.
Los sintetizadores crujientes y tambores metálicos de la casa de producción datan estas 10 pistas, pero la brillante voz de Summer las transporta a un lugar seductor. Ella clava la ternura de la power ballad en la pista principal, el cambio de drama a un éxtasis en “Love’s About to Change My Heart”, y pulimenta el resplandor balear de “Breakaway”. También eleva aún más el excelente sencillo “This Time I Know It’s for Real”, su primer éxito en el Top 5 del Reino Unido desde “No More Tears (Enough Is Enough)” con Barbra Streisand, lanzado una década antes. JR
Stevie Wonder – Jungle Fever (1991)
Fotografía: David Lichtneker/Alamy
Stevie Wonder mostró poco interés en competir con su inigualable racha caliente de los años 70 durante la década que siguió, centrándose en actividades extracurriculares como hacer del Día de Martin Luther King una fiesta nacional, y posponiendo los pocos álbumes que entregó. Pero tal vez el plazo no negociable de componer la banda sonora del romance interracial de Spike Lee enfocó su mente, ya que resultó ser su álbum más sólido desde “Hotter Than July” de 1980.
La conmovedora “I Go Sailing” reconjuró la exquisita melancolía de “Fulfillingness’ First Finale” de 1974, mientras que la juguetona “If She Breaks Your Heart” era un clásico de Motown vestido con tecnología modernista, y “Queen in the Black” era un lujurioso y bailable acto de adoración. Y el robusto y agitado future-funk de “At Each Other’s Throat” y la pista principal se mantenían fácilmente contra el entonces reinante new jack swing de Jam & Lewis y otros, el viejo maestro recordándole a los jóvenes pretenciosos que él inventó este juego y lo jugó mejor. SC
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The Fall – The Real New Fall LP (Formerly Country on the Click) (2003)
Después de que su periodo imperial de los años 80 diera paso a una década de los 90 disoluta, los observadores de The Fall temían que la época de maestría avant-garage de Mark E Smith estuviera llegando a su fin. Pero como dice Smith aquí con desdén, “solo los humanos cargan su pasado”. Smith nunca fue un hombre nostálgico; pocos figuras musicales han igualado su capacidad de regeneración. Aun así, entendía los fundamentos y al principio, eso es lo que escuchas: el golpe Cro-Magnon de “Mountain Energei” es una declaración de intenciones.
Pero a partir de ahí, el álbum se amplía y se vuelve más salvaje en alcance. Hay épicos kosmische-punk, desvíos melancólicos de estilo folk y traviesos experimentos sonoros. Hay disecciones líricas de todo, desde hooligans de fútbol envejecientes hasta las dinámicas internas de los Beach Boys. Y hay un sentido de no solo un artista, sino de toda una metodología renaciendo en un disco que es más divertido, más inteligente, más malévolo y más singular de lo que, 25 años en la carrera de The Fall, tiene derecho a ser. PH
Bruce Springsteen – Magic (2007)
El mejor álbum de Springsteen del siglo XXI fue políticamente comprometido: su tríptico de la pista principal, “Last to Die” y “Long Walk Home” delinearon su desesperanza por la América nutrida por la presidencia de George W. Bush, y su esperanza de que, a pesar de la tarea por delante, el país pudiera sanar. Lo cual suena un poco ingenuo ahora, pero no lo era cuando la perspectiva de una nueva presidencia se cernía sobre Estados Unidos.
Pero también hay una sensibilidad pop fantástica en funcionamiento. “Magic” comienza con uno de los himnos de Springsteen al poder redentor de la música, “Radio Nowhere”, y lo sigue con el homenaje a The Byrds “You’ll Be Comin’ Down”, luego con el ritmo de R&B de “Livin’ in the Future”. Incluso la potencialmente dudosa “Girls in Their Summer Clothes” se percibe más como nostálgica y celebratoria que como lasciva. No es una obra maestra, nadie debería comenzar aquí, pero es un disco de placeres y recordatorios. MH
Iron Maiden – A Matter of Life and Death (2006)
Fotografía: Alamy
Una de las bandas de metal más grandes de los años 80, Iron Maiden ha logrado una hazaña notable en el siglo XXI. Reiniciada por el regreso del cantante Bruce Dickinson y el guitarrista Adrian Smith en 1999, han logrado disfrutar de una segunda serie de años gloriosos, gracias en parte a la consistente alta calidad de sus álbumes de estudio. “A Matter of Life and Death” es la joya de la corona: una colección oscura, intrincada y progresiva de canciones, cuyos relatos de los horrores de la guerra resonaron de inmediato con la vasta base de seguidores de Maiden.
Maiden lo interpretó en su totalidad en la gira que siguió, un movimiento raro y arriesgado para un nuevo álbum de estudio, y salieron airosos. Desde la brevedad al estilo de Thin Lizzy de “Different World” y el inspirador “These Colours Don’t Run” hasta la grandeza épica y laberíntica de “The Legacy”, el decimocuarto álbum de estudio de Maiden merece ser considerado como uno de sus mejores. DL
Joni Mitchell – Shine (2007)
Cinco años después de abandonar el negocio de la música y casi una década desde su última colección de material nuevo, Joni Mitchell regresó con uno de los álbumes más convincentes de su carrera. Su terreno era el de la disidencia urgente: canciones sobre la guerra de Irak, la administración Bush y la perdición ecológica se mezclaban con pistas inspiradas en una obra de Tennessee Williams y un poema de Rudyard Kipling, y un nuevo enfoque de “Big Yellow Taxi”. Estaban respaldados por sintetizadores, pedal steel, saxofón; un entorno musical de jazz suave que podría haber resultado cursi, de no ser por su intrincación e intriga.
La voz de Mitchell había crecido más bella con la edad, la perfección de su juventud había dado paso a una exquisita deflorescencia. Se decía que Mitchell estaba contenta con este cambio, y casi puedes escuchar el silencioso deleite mientras canta. Dio lugar a un álbum de inmensa compostura; quieto y constante, canciones protesta llevadas con una gracia elegante. LB
Fela Kuti – Beasts of No Nation (1989)
El pionero del Afrobeat Fela Kuti es mejor conocido por su racha política contundente de discos lanzados en la década de 1970, arremetiendo contra el corrupto gobierno nigeriano sobre ritmos de batería sincopados y fanfarrias de trompetas. Mientras que los años 70 de Kuti estuvieron impulsados por una fuerza creativa aparentemente interminable, durante los años 80 su producción comenzó a perder enfoque debido a enredos políticos y un período en prisión. Sin embargo, antes de que la década terminara, Kuti tenía un último destello en él, “Beasts of No Nation” de 1989.
Dirigiendo su ira hacia el gobierno de apartheid de Sudáfrica (con una portada