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Uno de los efectos más perniciosos de la intimidación de un matón es hacer que las víctimas tengan miedo de ser fieles a sí mismas, porque son las partes esenciales y auténticas de ellas las que provocan el desprecio del matón.
Durante su primera semana en el cargo, Donald Trump emitió una avalancha de órdenes ejecutivas. Entre ellas, Poner Fin a la Discriminación Ilegal y Restaurar la Oportunidad Basada en el Mérito y Poner Fin a los Programas DEI Radicales y Derrochadores del Gobierno y Preferenciales”. Según la Conferencia de Liderazgo sobre Derechos Civiles y Humanos, entre las cosas que estas órdenes dirigen a las agencias y al personal de la administración a hacer están:
Terminar las oficinas, puestos y programas de diversidad, equidad e inclusión en el gobierno federal; terminar subvenciones y contratos relacionados con la equidad; y derogar órdenes ejecutivas anteriores diseñadas para garantizar igualdad de oportunidades en el lugar de trabajo, incluida una orden ejecutiva de hace décadas de la Administración Johnson …”
En la escena artística, estos moratorios tuvieron consecuencias casi inmediatas. Cheryl Edwards, una artista visual y curadora con sede en Washington DC, había estado trabajando en una exposición titulada Before the Americas que iba a ser montada en el Museo de las Américas, un espacio cultural gestionado por la Organización de los Estados Americanos (OEA), una organización establecida en 1948 que incluye a las 35 naciones independientes del hemisferio occidental. En 2021, Edwards fue abordada por la directora actual del museo, Adriana Ospina, y el director anterior, Pablo Zúñiga, para, en sus palabras, curar una exposición para incluir artistas afroamericanos en el área de DC. Acordaron un marco que abordara la pregunta “Porque somos personas en una sociedad que existía antes de la esclavitud, ¿cómo se manifiesta eso en el trabajo de los artistas en esta área y en el trabajo de los artistas en su colección?” Se le asignó un presupuesto de $20,000 (con una tarifa de curadora de $5,000), asignado por el embajador anterior de EE. UU. en la OEA bajo Joe Biden, Francisco O Mora. La exposición de Edwards estaba programada para abrir el 21 de marzo, pero fue informada por Ospina el 6 de febrero que su espectáculo fue “terminado”. Edwards afirma que esto sucedió “porque es DEI”.
De manera similar, Andil Gosine, un artista y curador canadiense, que también es profesor de artes ambientales y justicia en la Universidad de York en Toronto, invirtió varios años en una exposición en el mismo museo. Su espectáculo, titulado Nature’s Wild with Andil Gosine, era esencialmente un proyecto colaborativo con 50 artistas, escritores y técnicos explorando los temas que había examinado en su libro del mismo título. Iba a incluir obras de una docena de artistas de las Américas, muchos de ellos personas LGBTQ+ de color. Recibió una llamada de Ospina el 5 de febrero informándole que el espectáculo había sido cancelado, a pesar de que ninguno de los fondos para el mismo provenía de la OEA (que venía del Consejo de Canadá). Para él, esa fue una “noticia desgarradora”. Él dice: “Esto es lo más tiempo, dinero y corazón que he puesto en cualquier cosa. Esto iba a ser la cúspide de mis últimos 15 años de trabajo en las artes”.
Andil Gosine – Magna Carta (2024). Fotografía: Cortesía del artista
Con su formación en relaciones internacionales (trabajando en el Banco Mundial después de la escuela de posgrado), Gosine entendió que la respuesta del museo tenía que ver con el miedo a perder su presupuesto al mostrar artistas queer en medio de otra orden ejecutiva, esta vez prometiendo un proceso de “Revisión del Apoyo de Estados Unidos a todas las Organizaciones Internacionales”. Él explica: “Esta es una pregunta de contenido, una apuesta sobre cómo lidiar con la marea política cambiante: conformarse lo suficiente, sacrificar a algunas personas, sacrificar sus valores para sobrevivir, y luego quizás no obtener el presupuesto”. Según el Servicio de Investigación del Congreso, en 2023 la OEA tenía un presupuesto de $145.2 millones, con EE. UU. contribuyendo con el 57% de ese monto. Que Estados Unidos retire su apoyo claramente laceraría las operaciones de la organización. Sin embargo, Gosine piensa que su sumisión anticipada puede ser en vano. Se pregunta cómo una organización que se preocupa fundamentalmente por los derechos humanos y la justicia social puede reinventarse lo suficiente como para aplacar a este régimen vengativo y despectivo.
La cancelación de exposiciones de arte impacta negativamente en la vida de los curadores, pero estas órdenes ejecutivas tienen un efecto aún más corrosivo en la vida de los artistas, especialmente aquellos cuyo estatus migratorio está en juego. Erika Hirugami, una inmigrante mexicano-japonesa anteriormente indocumentada, candidata a doctorado en UCLA y curadora con sede en Los Ángeles que ha trabajado en las artes durante 10 años, me dijo que las presiones colocadas sobre los inmigrantes los impulsan a borrarse a sí mismos, anticipando que los funcionarios encargados de hacer cumplir la ley los encarcelen y deporten. Ella afirma que conoce a más de 80 artistas que “están aterrados porque tener una exposición en un museo que diga que este artista es indocumentado señala una realidad que genera un tipo de violencia”.
Para comprender mejor esto, ayuda pensar en el trabajo del sociólogo francés Pierre Bourdieu, quien estudió extensamente a los visitantes de los museos de arte europeos en la década de 1960, preocupado por el motivo por el cual la mayoría de los perfiles de visitantes de museos de arte parecían estar correlacionados con una determinada clase socioeconómica. Lo que encontró fue que, dada la proliferación de estéticas de clase media en todo el museo, la mayoría de las personas de clase trabajadora se autoseleccionaban para no asistir, sintiendo que el museo no era el lugar para ellos. A esto lo llamó rechazo de facto de los pobres y la clase trabajadora, una violencia simbólica expresada a través de la imposición de normas sociales por un grupo con mayor poder social. Peor aún, estas normas son internalizadas por todos los grupos sociales que llegan a creer que la jerarquía social y la desigualdad son naturales e inevitables.
Arleene Correa Valencia – I’m Sorry. Fotografía: Cortesía del artista
Hirugami explica que para los artistas que son indocumentados, esta administración ha buscado normalizar vivir con miedo. Prácticamente esto significa que algunos artistas ahora renuncian a que se les pague por su trabajo por miedo a que se rastree su medio de remuneración. Por lo tanto, su trabajo no es reconocido ni remunerado. Para protegerse, algunos artistas, según Hirugami, se vuelven “cero sociales”, haciéndose digitalmente invisibles al eliminar sus sitios web y páginas de redes sociales.
Arleene Correa Valencia, una artista anteriormente indocumentada que vive en Napa, California, entiende este temor. “No hay un manual sobre cómo perder ese miedo”, dice. Valencia era una inscrita en el programa de Acción Diferida para los Llegados en la Infancia (DACA), y una estudiante universitaria durante la administración anterior de Trump, cuando estuvo bajo casi constante amenaza de perder su beca y su forma de quedarse en el país legalmente. Incluso ahora, habiendo obtenido el estatus de residente permanente, todavía se preocupa. “Todavía siento que soy muy blanco de ataques, especialmente habiendo llegado a mi residencia como Dreamer. Existe este sentimiento de que lo hice de la forma incorrecta”.
Menos de dos meses después de hacerse cargo del gobierno federal, Trump y sus agentes han ideado formas de no solo borrar a ciertos artistas y ciertos tipos de arte; sino también de obligar a estos artistas a borrar sus propias identidades, en nombre de la auto-protección. Esto es exactamente lo opuesto a su trabajo más esencial: involucrar al público a experimentar su trabajo y llevarlos hacia la transformación. ¿Cuál es una posible solución? Valencia se vuelve hacia su arte. Ella dice:
Mi práctica ha cambiado en el sentido de que ahora estoy más firme en saber que mi gente tiene este hermoso lenguaje de la pintura. Y con eso también, me tatué la cabeza para reconocer, mi origen indígena y mi conexión con México. Este es el momento en el que tenemos que hacer que nuestras marcas sean conocidas, no solo en nuestros cuerpos, sino en nuestro trabajo, marcas que son fieles a nosotros mismos”.
De hecho, es crucial rechazar la opción de hacerse daño a uno mismo negando precisamente esos aspectos del yo que son el objetivo en la guerra cultural librada por esta administración. Mantener quién eres puede ser su propia clase de victoria.
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