Creo que cada película tiene sus propias necesidades y su propio enfoque, y en este caso, las escenas de sexo en “Queer” eran necesarias para transmitir la intensidad de la relación entre los personajes. Siempre trato de hacer lo que creo que es correcto para la historia que estoy contando, y en este caso, esas escenas eran esenciales para capturar la esencia de la novela de Burroughs y la relación entre Lee y el joven. Cada película es única y requiere un enfoque único, y en este caso, las escenas de sexo eran una parte crucial de la narrativa que queríamos transmitir.
Esta idea de que había una especie de negación del sexo gay en la película es ridícula. Cuando haces una película, lo único que gobierna la película es la película en sí. Y cualquiera que quiera poner un objetivo por encima de la película en sí es estúpido.
En “Call Me by Your Name”, había que dejar la cortina cerrada para que los amantes exploraran su idilio. En el caso de “Queer”, se trata de una película sobre el sueño febril de la conexión y la desconexión. Y la única forma en que podemos comunicar realmente las profundidades de su conexión, y la negación dramática que los habita, es que hay que ver su interacción. Desde la forma en que viajan juntos, la forma en que beben juntos, la forma en que follan juntos, hasta la forma en que están separados y juntos. Es parte integral de esta idea de conexión y desconexión, o como diría Burroughs, desencarnación.
Háblame sobre el casting de Drew Starkey.
Drew Starkey es otro gran momento de mi carrera. Estaba en Londres para “Bones and All” y mi amigo Peter Spears, con quien produje “Call Me by Your Name”, me dijo: “Oye, estoy haciendo un casting para una película y me encontré con este video de un joven. ¿Te gustaría verlo porque creo que es alguien a quien deberías considerar para Allerton?”. Y me mostró el video, que no tiene nada que ver con “Queer”, y vi a este chico. Dije: “Guau. Atrapante, una actuación increíble”. Luego pasamos por el proceso y vimos a 300 personas, y cada 50, le decía a Daniel: “Creo que sigue siendo el mejor. Sí, pero sigamos adelante”. Así que seguimos. Y después del número 300, le dije: “Creo que sigue siendo el mejor”, y él dijo: “Sí, no hay nadie mejor que él”.
En “Queer”, Drew se convirtió en un joven de los años 50. La forma en que mueve sus extremidades, la pose, todo, sus gestos son increíblemente propios de los años 50. Y ver a un joven del presente convertirse en un joven de esa época, con toda la elocuencia de esa época, es fantástico.
¿Qué ha sido clave para llevar esta historia a la pantalla de una manera que sea universal? Me parece que has sido capaz de deshacerte de parte del pesado bagaje de la era beatnik.
La Generación Beat habla de juventud. Habla de una revolución en ciernes, aunque a veces sea una especie de revolución dura. Habla de quemar la casa, y esa ha sido la forma en que cada generación se ha comportado con la generación anterior. Por eso es importante que cuando trates con los Beats, mantengas esa llama muy viva. Porque si haces un drama de época ambientado en los años 50 y empiezas a usarlo como ejemplo de, digamos, alta literatura que tiene que ser cine de autor, inmediatamente estás cometiendo enormes errores. Porque realmente estás traicionando el espíritu de lo que es la Generación Beat. Por eso, mi amado [Bernardo] Bertolucci, cuando adaptó “El cielo protector” de Paul Bowles —quien era periférico a los Beats, pero amigo de ellos— optó por el melodrama definitivo, otro género popular. No estaba tratando de hacer una película cerebral.
Queríamos que fuera muy picaresco, muy divertido, muy romántico y muy revolucionario en espíritu. Pero revolucionario en el sentido de ser joven y soñar con hacer algo nuevo por primera vez.
Esta entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad.