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La transformación – Nightbitch
Fotografía: AP
La transformación canina de Amy Adams en Nightbitch de Marielle Heller no debería ser nada que no hayamos visto antes. Existe una fina historia de metamorfosis a la luz de la luna en películas de hombres lobo: gemidos que se convierten en gruñidos, el estiramiento y torsión de músculos, el vello que brota a la velocidad del rayo. De hecho, algunas personas criticaron esta película por apartarse del horror corporal que subyace en el colapso animalístico de la madre. Pero hay un poderoso aroma de catarsis en esta escena de transformación discreta: ver a Adams oler el aire de medianoche, cavar con las manos desnudas en su propio césped suburbano impecable, agacharse en sus patas, totalmente perro en cuerpo y mente, antes de que el pelo comience a erizarse en sus antebrazos. La voz en off inquietantemente tranquila de Adams (“Tengo un pensamiento: soy un animal”), sigue el vello ondulado mientras su personaje renace como un galopante husky rojo, con una nube de cabello rubio fresa sobre un cuerpo musculoso. Un perro de caza con una sola idea fija: “¡Sangre! ¡Sangre, sangre, sangre!” Y es el fin para los gatos del vecindario. Pamela Hutchinson
El partido final – Challengers
Fotografía: Colección Christophel/Alamy
Uno de los aspectos más complicados de las películas de deportes es la dicotomía de ganar/perder: ¿cómo se puede construir algo emocionante o inesperado sin forzar el resultado de un partido ficticio en una forma familiar? Challengers, la dramedia de tenis de Luca Guadagnino y Justin Kuritzkes, encuentra una manera, a pesar de que todo en la película conduce a un partido de tenis de desempate entre los antiguos mejores amigos Patrick Zweig (Josh O’Connor) y Art Donaldson (Mike Faist), con las implícitas apuestas en el corazón de la esposa de Art, Tashi Duncan (Zendaya), la mujer (y antigua prodigio del tenis) a la que ambos aman. Cuando comienza el partido de desempate, Art acaba de enterarse, a través de una elegante llamada de atención silenciosa a un momento anterior de la película, de que Patrick y Tashi han dormido juntos recientemente. En otras palabras, está en marcha, y, como en el deporte, es difícil saber cómo cualquiera de las opciones binarias (o incluso una renuncia a ninguna de las anteriores) llevaría a una resolución satisfactoria. Siempre un estilista inquieto, Guadagnino se vuelve loco aquí al representar el frenesí de los chicos en su intercambio, pasando de una toma vertiginosa desde el punto de vista de la pelota de tenis a una toma aérea de la cancha a una composición fantástica desde, de alguna manera, debajo de la pista, haciendo que los jugadores parezcan estar caminando en el aire. Se acercan cada vez más a la red, hasta que finalmente saltan y se abrazan empapados de sudor. Tashi, que ha estado paralizada en cámara lenta en las gradas, lanza un grito instintivo, otro recordatorio de un momento anterior en la película, una expresión de éxtasis adrenalínico. Y eso es todo: en una secuencia simple pero intensa, casi sin diálogo, los cineastas han comunicado algo profundo sobre la pureza potencial de la actividad deportiva y la felicidad desordenada del amor verdadero (y multidireccional). Es un acto de suprema confianza en que la película puede pasar de ser muy buena a absolutamente genial en los últimos cinco minutos. Jesse Hassenger
La llegada – Dune: Part Two
Fotografía: Cortesía de Warner Bros Pictures/AP
Hay muchas buenas razones para ver una película en el cine: presenciar precisión en la gran pantalla, apoyar el cine independiente, disfrutar de la experiencia comunitaria de, por ejemplo, suspirar al unísono ante cada giro en Conclave. Pero la principal de todas, al menos para mí, es sumergirme en el Espectáculo con mayúsculas. Ninguna película logró la absorción cinematográfica pura este año como Dune: Part Two de Denis Villeneuve, que es tan hermosa, ambiciosa y extraña como la Parte Uno. Y ningún momento en la Parte Dos golpea tan fuerte como la apertura del último acto, cuando un Paul Atreides convertido en un malvado llega al sietch de los fremen para reclamar el poder. Aquí hay muchas capas de espectáculo sublime en juego: 1) multitud 2) banda sonora que pone los dientes de punta (Arrival de Hans Zimmer, cuya base subterránea recuerda al canto de garganta enfermo de los Sardaukar de la Parte Uno) 3) seriedad casi cómica 4) Timothée Chalamet desfilando con poder 5) pose de poder de un gusano de arena gigante. Cada una de las tres veces que vi la Parte Dos en el cine, sonreí a través de este crescendo de angustia adolescente del auteur como un niño demente con caramelos. El cerebro analítico dice: qué emoción, ver a Villeneuve pintar en el lienzo más grande posible, ver un blockbuster realmente visionario. Pero es el cerebro de fanático del cine el que lleva el timón: ¡vamos de una vez! Adrian Horton
La persecución de la casa de Psycho – MaXXXine
Fotografía: Everett Collection Inc/Alamy
La trilogía X de Ti West siempre ha sido una carta de amor a momentos importantes, grandes y pequeños, de la historia del cine de terror, y con la conclusión de la serie, MaXXXine, West la lleva al máximo. Para empezar, hay una galería de referencias a películas como Halloween, The Texas Chain Saw Massacre, Psycho y muchas más (sin mencionar las dos primeras películas de la trilogía, X y Pearl, también). Además, la trama presenta a Mia Goth como Maxine, una estrella del porno que lucha por convertirse en reina del grito, ayudando a West a empapar su película de hitos cinematográficos como Hollywood Boulevard, el salón giratorio BonaVista en el hotel Westin Bonaventure, y, por supuesto, el set de Universal Studios, donde Maxine se encuentra con nada menos que la espeluznante casa de Norman Bates. Es en una escena central donde es perseguida por su vida por un detective privado a través de una fachada de Universal tras otra, tomando finalmente refugio en la residencia de Bates misma, que el enfoque cuidadosamente elaborado de MaXXXine para deconstruir y reconstruir la historia cinematográfica alcanza un cenit. Es un momento mareante de espejos que combina poéticamente la urgencia de correr por tu vida con la artificialidad voluntaria de toda la trilogía X, dejando que todo en los eXtraordinarios tres filmes de West se telescopen sin esfuerzo juntos. Veronica Esposito
El agradecimiento – A Real Pain
Fotografía: Album/Alamy
A Real Pain, la segunda película de Jesse Eisenberg, trata sobre dos primos de Nueva York, David (Eisenberg, tenso) y Benji (Kieran Culkin, encantador/molesto), que hacen un tour de herencia judía por Polonia. Es todo lo que siempre esperaste que Eisenberg produjera y más: inteligente y divertido, ligero y profundo, rápido y conmovedor. Es bastante al estilo de Woody Allen y un poco de Noah Baumbach y un toque de László Nemes. En entrevistas, Eisenberg ha dicho que eliminó los mejores chistes del montaje final, ya que desequilibraban la película. La línea que ahora recibe la mayor risa es una improvisación de Will Sharpe, que interpreta a James, su guía turístico un tanto parecido a Richard Ayoade. El día anterior, Benji reprendió bruscamente a James por hacer que el tour fuera insuficientemente emotivo o auténtico. Más tarde esa noche, Benji se comporta de manera espantosa en un restaurante; David se disculpa nuevamente por él y explica por qué podría ser así. Al día siguiente, van a hacer un tour de un campo de concentración y los primos se despiden del resto del grupo. James abraza a Benji y le agradece por su retroalimentación honesta, por cambiar su perspectiva, reactivando su carrera. Luego, al alejarse, lanza a David – que ha puesto mucho esfuerzo y empatía – un “Gracias, David” tan desechable como se pueda imaginar. Es solo un detalle perfecto: revelador, impactante y muy, muy divertido. Me río cada vez que lo recuerdo. Catherine Shoard
Los acrónimos – Rebel Ridge
Fotografía: Allyson Riggs/AP
En el trepidante thriller de acción de Jeremy Saulnier, Rebel Ridge, hay una gran cantidad de ira ardiente. Surge del héroe atrapado en el sistema de Aaron Pierre y también de nosotros, no solo hacia aquellos que intentan destruirlo, sino también hacia aquellos que intentan destruir la película en sí misma. Llegó a Netflix en septiembre con la fanfarria más débil: una película perfectamente adecuada para una experiencia ruidosa y colectiva en la gran pantalla que se estrena silenciosamente en tu iPhone. Uno de los muchos momentos que me hizo desear experimentarlo con una multitud ocurre durante un enfrentamiento en la comisaría de la pequeña ciudad, mientras Terry de Pierre educa al jefe de policía fabulosamente vil de Don Johnson sobre lo que Pace significa justo cuando su colega descubre lo que significa MCMAP (“¡Creo que está en la página de Wikipedia!” entre las mejores frases del año). Saulnier exprime hasta la última gota de tensión antes de ofrecer una catarsis muy necesaria, si breve, mientras se desata un forcejeo creíblemente desordenado y astutamente coreografiado. Al igual que la película que lo rodea, hay un equilibrio enormemente satisfactorio entre la inteligencia y la fuerza bruta que no encontramos mucho en el cine de acción en estos días. Aplaudí desde el sofá. Benjamin Lee
La coda – The Brutalist
Fotografía: AP
La coda de flash-forward de The Brutalist se ofrece como una mancha de Rorschach: la hija adulta del arquitecto László, ahora inválido, sube al escenario en una exposición en honor a su trabajo y explica que aunque el centro comunitario, su obra maestra, fue encargado como tributo a la difunta madre de un industrialista goy, László convirtió secretamente el proyecto en un monumento a los horrores del Holocausto. Pero ¿mencionar la joven sionista su hogar en Jerusalén sugiere que Israel es la última vindicación histórica para los judíos? ¿O esta escena – en la que ella dice “Hablo por ti ahora” a un hombre decrépito que se negó a equiparar el judaísmo con la identidad israelí en vida – está diciendo algo más sutil sobre quién reclama la custodia de la memoria del Holocausto? El escritor y director Brady Corbet ha mantenido sus labios sellados sobre sus propias inclinaciones, pero deja su última pista musical como un indicio de sus teorías sobre la apropiación y la ideología, dos temas clave que visitó por última vez con la traducción de Vox Lux de la música pop al terrorismo del cambio de milenio. El grupo de italo-disco La Bionda nos despide con un mantra tan alegre como inquietante: “¡Uno para ti, uno para mí!” Charles Bramesco
La interrogación – Hit Man
Fotografía: Netflix
Hay una escena de juego de roles en Hit Man. Bueno, en realidad, hay muchas escenas de juego de roles. La comedia romántica noir de Richard Linklater (una cornucopia de géneros que produce una pura dicha cinéfila) trata sobre un profesor universitario interpretado por Glen Powell que se entusiasma con su nuevo trabajo de hacerse pasar por un sicario para operaciones encubiertas de la policía. Las cosas se ponen realmente emocionantes para Gary de Powell cuando, mientras aún está en personaje, se involucra con una de sus marcas: Madison de Adria Arjona, una femme fatale pouting que quiere deshacerse de su esposo. Tienen una aventura, donde el juego de roles se vuelve ardiente y complejo. Pero es el clímax lo que realmente sella el trato. La policía está tras Madison. Gary, llevando un micrófono oculto, es asignado a enfrentarla. Y así lo hace, interpretando una sorprendente escena de interrogatorio en la cocina, con detectives escuchando, mientras pasa notas a Madison, dirigiéndola sobre cómo actuar y reaccionar. A lo largo de todo, Powell y Arjona mantienen esa carga sexual entre sus personajes elevada, sus ojos tiernos y coquetos mientras sus bocas hacen todo el picoteo y gritos necesarios. Los dos actores increíblemente atractivos ofrecen interpretaciones que llegan a múltiples niveles y tantas zonas erógenas, en una de las escenas más alegres y placenteras que el cine nos regaló este año. Radheyan Simonpillai
La asistente – Martha
Fotografía: Netflix
A lo largo de Martha de Netflix, el fascinante docu-biopic sobre la influyente Martha Stewart de América, ella está firmemente en guardia, esquivando las preguntas penetrantes del director RJ Cutler para mantener a salvo sus sentimientos tiernos como la carne de wagyu. Pero luego un rayo de claridad irrumpe tarde a través de metraje de Stewart en casa en un intento desesperado de actuar normal para otro equipo de documentalistas. En lugar de abordar el elefante en la cocina (su inminente sentencia de prisión federal por fraude), se centra en un empleado que corta una naranja con una hoja diminuta. “¿Por qué usarías un cuchillo pequeño para cortar una naranja grande?” espeta. “¡Usas un cuchillo grande para cortar naranjas, ¿vale? ¿Sabes lo rápido que corta un cuchillo grande?” Toma uno para terminar el trabajo, pero no antes de advertir al equipo de cámara que no “graben eso”. Gracias a Dios que no lo hicieron. Podríamos nunca haber visto a Stewart viviendo realmente su verdad. Andrew Lawrence
El tornado de rodeo – Twisters
Fotografía: Universal Pictures/AP
Es difícil elegir entre las varias excelentes escenas de tornado en Twisters, el reinicio liderado por Glen Powell de la película familiar de desastres de los años 90 Twister. Para mí, tiene que ser la escena en la que la brillante pero traumatizada meteoróloga Kate de Daisy Edgar-Jones y Tyler de Powell, un cazador de tormentas/influencer chico malo que vende camisetas que dicen “No es mi primer tornadeo”, se ven envueltos precisamente en eso: un tornado en un rodeo. Una escena de vinculación de romanticismo estadounidense cursi entre los protagonistas románticos se vuelve interesante cuando las alertas de teléfono comienzan a sonar y la gente se aferra a sus sombreros de 10 galones mientras un tornado golpea la arena. Está hecho con estilo: una noche de caos iluminado por neones interrump