But I think itâs also to do with the way these musicians were perceived. The keyboard players were seen as part of a band, not as frontmen. They were supporting characters, not the stars. And they were seen as a bit nerdy, a bit introverted. Rod Argent once told me that he thought being a keyboard player was like being a librarian: you were always in the background, doing your thing, while the guitarists and singers got all the attention.
But to me, those keyboard players were the real stars. They were the ones pushing the boundaries, experimenting, finding new sounds. They were the ones taking risks, trying new things. And they were the ones who really shaped the sound of British rock in the 60s.
So hereâs to the keyboard heroes of the 60s â the unsung pioneers who laid the groundwork for the guitar gods that came after them. They may not have been as flashy or as famous, but they were just as important, just as influential. And they deserve to be remembered and celebrated for their incredible talent and their incredible contribution to music.
” Ian Stewart es el ejemplo definitivo de eso: un jugador brillante, una parte integral del sonido de los Rolling Stones, se puede escuchar lo genial que era en Honky Tonk Women o Brown Sugar, pero tocaba en las sombras, no frente al público. Ni él ni su teclado fueron considerados lo suficientemente sexys para los Rolling Stones.
Y muchos de ellos eran artistas en vivo primero y artistas de grabación segundo. Sus discos son geniales, pero a menudo no logran capturar lo emocionante que eran en el escenario: tenías que estar allí. Steampacket ni siquiera grabó un disco, solo algunas demos que se lanzaron después de que se separaron, no son tan buenos como eran en vivo. Zoot Money y Graham Bond nunca tuvieron un sencillo exitoso, pero no estoy seguro de que quisieran ese tipo de éxito comercial. Estaban tocando por amor al instrumento, no para salir en Top of the Pops, y eso era parte de su atractivo. Eran como una sociedad secreta para los iniciados, un underground musical antes de que nadie hablara de música underground.
Y a medida que avanzaba la década, los tecladistas también progresaban, alejándose de sus raíces soul-jazz. Pensamos en el rock pesado como un arte de guitarristas, pero en Deep Purple, Jon Lord estaba experimentando con distorsión para darle al órgano un sonido tan contundente como las guitarras. Lo hizo Rod Argent cuando los Zombies se separaron y formó Argent. Gary Brooker dejó los Paramounts, abandonó su piano eléctrico, formó Procol Harum y creó A Whiter Shade of Pale, un disco que sonaba como nada que nadie hubiera escuchado antes. En los Small Faces, Ian McLagan cambió y adaptó un estilo de tocar rhythm and blues hasta que encajó perfectamente en la era psicodélica: es él quien realmente impulsa Itchycoo Park o la canción principal de Ogdens’ Nut Gone Flake. Keith Emerson estaba llevando su formación como músico clásico al sonido de The Nice: fue el comienzo del rock progresivo. Y Rick Wakeman parecía venir de la nada: acababa de salir del Royal College of Music cuando tocó esa increíble parte de Mellotron en Space Oddity de David Bowie.
Algunos de estos artistas son más conocidos que otros en 2024, y ninguno de ellos está completamente olvidado, pero creo que merecen más reconocimiento y aplausos de los que reciben, y que se les ponga el foco. Fueron innovadores, importantes e influyentes.
Ciertamente me influenciaron, precisamente porque no podía hacer ninguna de las cosas que ellos hacían. Compré un Vox Continental pero no podía sacar los sonidos de él que Alan Price hacía, y mi fobia por el Hammond nunca desapareció. Yo era un pianista que intentaba tocar el órgano como un piano, y simplemente no funciona de esa manera, es una técnica completamente diferente, una que no pude dominar. Así que decidí concentrarme en el piano y en escribir canciones. Fue lo correcto. Unos años más tarde, cuando necesitábamos un sonido de órgano Hammond en mi álbum Madman Across the Water, lo pensé, luego llamé a Rick Wakeman. Eso también fue lo correcto.