Lawrence Rothman ha estado presente en la escena musical durante dos décadas, pero no fue hasta este año que alguien lo etiquetó principalmente como artista de Americana. El artista con sede en Los Ángeles no necesariamente dio la impresión de estar buscando establecer una base secundaria en Nashville, no con una lista de colaboradores o clientes de producción que incluían a Kim Gordon, Courtney Love, Girl in Red, Empress Of, Alison Mosshart y miembros de Yeah Yeah Yeahs y Guns N’ Roses. O una carrera en la banda sonora que incluía la puntuación de películas dirigidas por su esposa, Floria Sigismondi, como “The Runaways” y “The Turning”. O una carrera en solitario como rockero indie con un toque andrógino que incorporaba asumir múltiples personajes, masculinos y femeninos.
Pero la inclinación de Rothman por hacer algo que podría considerarse un poco más casero se hizo evidente cuando produjo uno de los mejores discos de Americana de los últimos años, el lanzamiento de 2022 de Amanda Shires “Take It Like a Man”, así como trabajando en pistas de Margo Price, Brittney Spencer y Angel Olsen y reclutando a Lucinda Williams como compañera de dueto. Ahora Rothman ha lanzado su propio excelente disco en solitario en ese sentido, “The Plow That Broke the Plains”. El material es directo y revelador al punto de que casi parecería inevitable que Rothman terminara gravitando hacia un modo más cantautor. Encuentra al artista tocando algunas experiencias personales más difíciles, desde trastornos alimenticios hasta una golpiza que Rothman recibió una vez de rednecks de Texas, que podrían empujar los límites de la realidad incluso en un género que se especializa en ella. La colección se beneficia de tres prominentes avales, de S.G. Goodman, quien colabora en la canción temática sobre violencia armada “R Blood”; Shires, quien agrega una armonía vocal en “LAX”; y Jason Isbell, quien coescribió y tocó la guitarra en “Poster Child”, un recorrido por el fondo de Rothman que es crudo pero también cuenta como uno de los oídos más pegajosos de 2024.
Rothman habló con Variety sobre la recepción que ha tenido con un creciente cuerpo de trabajo producido en Nashville, y cómo abrirse a diferentes géneros coincidió con abrirse a explorar experiencias personales más dolorosas como compositor.
Ha habido un cambio en tu música hacia lo que se consideraría más del ámbito de Americana o cantautor. Y has estado trabajando con Amanda Shires, quien es una gran parte de ese mundo, como productor, en su último álbum y su próximo. ¿Cómo terminaste inclinándote más en esa dirección y haciendo algo de trabajo en Nashville?
Soy originario de Missouri, y mi padre era locutor de radio, profundamente metido en el mundo de la música country y de cantautores, así que crecí mucho en eso. Y al principio de mi carrera, antes de comenzar a hacerlo profesionalmente, estaba más en la zona de lo que se consideraría Americana, antes de tener un término para ello. Mi padre me llevó a Nashville para hacer algunas de mis primeras grabaciones cuando tenía alrededor de 14 años. Pero desde entonces, mi enfoque se transformó más en una especie de Big Star y luego se transformó más en un tipo de punk/Nirvana, así que me alejé de ese tipo de sonido.
Al inicio de la pandemia, estaba haciendo mi segundo álbum, “Good Morning America”, y estaba escribiendo una canción llamada “Decent Man”. Todo el tiempo que estaba escribiendo eso, me imaginaba a Lucinda Williams haciendo un dueto conmigo. Ella ha sido una gran influencia en mi trabajo y siempre lo ha sido. Así que terminé la canción y simplemente me dirigí a ella, no la conocía, y accedió. Y eso me llevó de regreso, creo, a Nashville. También grabé con Amanda para ese disco, lo que llevó a una gran relación trabajando en sus canciones. Redescubrí la escena allí abajo y me enamoré instantáneamente de todos los escritores y artistas que están allí haciendo cosas.
La música estuvo por un tiempo muy alejada de las canciones narrativas con letras. Siento que la música de Americana realmente ha influenciado mucho en lo que está sucediendo en estos momentos, incluso con cosas que están fuera del ámbito de la Americana. Incluso el nuevo disco de Charli XCX para mí se siente más personal, ¿sabes? No sé si muchos de estos artistas están escuchando Americana y luego pensando, “Oh, voy a hacer eso ahora.” Simplemente creo que es parte del paisaje cultural actual, filtrándose en todas direcciones.
Por lo tanto, cuando pienso en este álbum en particular sonando más como Americana, no fue realmente una decisión consciente. Fue más un instinto de simplemente querer escribir canciones que fueran honestas, no pensar demasiado en ellas, no hacerlas demasiado metafóricas, y grabarlas de una manera que fuera más como una instantánea de un momento en el tiempo. He hecho discos en los que he pasado años trabajando en ellos. También soy productor, así que puedo operar el estudio como un instrumento, y he hecho esos discos en los que he grabado y trabajado en una canción durante dos meses, como si fuera Trent Reznor, reinventando la canción y añadiendo capas tras capas y sustrayendo. He seguido ese enfoque durante más de una década, pero lentamente empecé a dejar esa piel en el último disco. Y cuando llegó el momento de este, abracé la idea de: solo quiero entrar al estudio con una guitarra o un piano y cinco personas tocando instrumentos, donde todos nos sentamos en un círculo y tocamos, y lo que suceda en esos 10 días es el disco.
¿Tomaste fácilmente el enfoque de Nashville, a pesar de estar inmerso en lo que la gente consideraría glam rock o punk durante parte de la primera música que conocieron de ti?
Cada año que pasa, las definiciones de lo que es un género en particular se vuelven más borrosas. Para mi primer disco, era nueve personas diferentes en el disco. Tenía prótesis y los llamaba mis “otros yo” – diferentes alter egos – y en cada show, actuaba como una persona diferente, básicamente, y cada canción era para una persona diferente. Cuando salió, era tan cambiante de género que la gente estaba como, ¿qué diablos está pasando?
En algún momento no sé si estaremos teniendo una conversación sobre géneros. Pero, sí, para este disco en particular… siento que nunca he podido realmente encajar en una escena en particular, y la gente allí en Nashville y los lugares vecinos de donde viene toda esta música de Americana son los músicos y artistas más abiertos, acogedores y respetuosos que he conocido. He trabajado mucho en música pop e indie, y nunca he experimentado el calor que he recibido de la gente dentro de la escena de Americana. Solo por eso, me siento cómodo llamando a este disco un disco de Americana. He estado haciendo esto durante unos 20 años, y he estado en como ocho compañías discográficas diferentes; he conocido todo tipo de gente – y no hay nada como la escena de Americana en cuanto a las amistades, la honestidad y la calidez que proviene de la comunidad.
Esa es una gran recomendación para esa comunidad.
Sabes, soy fluido en cuanto al género, y no siempre sé qué esperar. Cuando llegué a Nashville en 2020, en el estudio en el que estaba trabajando, Sound Emporium, como en la segunda semana que estaba allí, de repente cambiaron los baños para que no dijeran hombres y mujeres. Ni siquiera pedí eso. Y en ningún momento nadie se equivocó con los pronombres. Quiero decir, me sorprendió, de verdad. Pero sí, es un gran lugar. Han sido tan acogedores; nunca me he sentido tan cómodo haciendo música en mi vida, realmente.
Gran parte de este nuevo álbum es muy actual, abordando temas significativos. Todo es personal para ti, pero ¿hubo un plan en eso de antemano?
Realmente no tenía una idea preconcebida de lo que quería hacer líricamente con el disco. Solo sabía que quería que fuera completamente sincero y que fuera mi historia. La primera canción que escribí para el disco fue una canción llamada “Poster Child”, que escribí con mi amigo Jason Isbell. Hubo un evento que me sucedió a principios de los 2000 donde fui atacado en un club por la forma en que me presentaba en el escenario. Cuando me senté con Jason, me estaba haciendo algunas preguntas sobre mi camino, y mencioné esa historia y le dije, “Bueno, realmente suena como nuestra historia; suena como lo que deberíamos estar escribiendo”. Una hora y media después, teníamos la canción. Y eso inició la idea de sentirme muy cómodo al contar historias que habían sido un poco demasiado personales, que había mantenido fuera de mi composición.
Después de esa canción, simplemente fui completamente a lugares incómodos dentro de mi psique y escribí sobre ellos. Escribí sobre mi trastorno alimenticio en la canción llamada “LAX”. Y era embarazoso tener que hablar de eso; es embarazoso cuando lo veo impreso y los miembros de mi familia también tienen que verlo. Pero es algo por lo que sentía que otras personas estaban pasando.
Cuando escuché la canción “LAX” por primera vez, admito que no entendí que tenía algo que ver con los trastornos alimenticios o la imagen corporal. Estaba pensando en el aeropuerto, y preguntándome qué servía como metáfora para eso.
Bueno, por desagradable que suene, para ser muy gráfico, quería decir “lax”, no LAX. Era un doble sentido.
Obviamente, eso no es algo que la gente adivinaría contigo, sin que lo expliques públicamente.
No es algo de lo que realmente me guste hablar, porque hay diferentes grados de trastornos alimenticios, y lo que pasé fue algo que creo que no se habla mucho, que es el simple hecho de… Miras las redes sociales y ves una foto extraña de ti mismo, digamos, que sube un amigo o un fan, y te perturba, ¿verdad? Porque no te gusta ese ángulo o la lente de la cámara estaba distorsionada y no te ves bien. Y eso te lleva a todo tipo de ideas que pueden ocurrir incluso a las personas más fuertes, y me considero bastante fuerte y no muy vanidoso. Pero vi algunas imágenes y me llamaron algunos nombres… y me afectó mucho cuando veía comparaciones con otras personas o veía fotos que no me gustaban. Eso me llevó por este camino muy peligroso de privarme de comida y tomar laxantes… Esto fue antes de Ozempic. No sé si eso es peligroso o no, pero estaba haciendo cosas peligrosas, y me llevó a una visita a la sala de emergencias que fue mi llamado de atención.
Diría que ese escenario fue el más incómodo de escribir sobre, porque no quiero que extraños lo lean y me juzguen, y no quiero que mi familia realmente piense, “Vaya, Lawrence estaba haciendo esto y aquello a escondidas”. Pero sentí que tenía que hablar de eso, porque siento que otras personas también lo atraviesan. Y tenía razón, porque desde que saqué la canción, he tenido muchas personas acercándose a mí al respecto.