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Algo huele mal en la provincia de Ontario. Es el segundo número del musical estrella en el festival de Stratford de Canadá, el jamboree de Shakespeare que ha celebrado al Bardo de Avon británico durante más de 70 años. Esta es una ciudad donde una calle, una escuela y una clínica veterinaria se llaman Romeo. Pero, ¿qué escucho? “¡Dios, odio a Shakespeare!” gruñe el compañero en el escenario revolucionario del teatro Festival de Stratford, preguntándose cómo “un actor mediocre de un pueblecito mezquino” logró convertirse “en la joya más brillante de la corona real de Inglaterra”. El sacrilegio continúa mientras el presumido Bardo mismo irrumpe para acaparar la atención con la canción Will Power, y el “sultán de los sonetos” blandiendo una enorme pluma como un micrófono y coqueteando descaradamente con los fanáticos.
Burlón, disparatado y casi incesantemente hilarante, ¡Something Rotten! es el espectáculo destacado de la temporada 2024 de Stratford, fusionando las dos principales tradiciones del festival de Shakespeare y teatro musical. Este cuento renacentista de los hermanos dramaturgos en ciernes Nick y Nigel Bottom (Mark Uhre y Henry Firmston), trabajando a la sombra del conquistador Shakespeare (Jeff Lillico), recibió 10 nominaciones a los premios Tony en su estreno en 2015, incluidos mejor partitura (para los hermanos Wayne y Karey Kirkpatrick) y mejor libro (coescrito por el columnista de The Guardian John O’Farrell). A pesar de tal éxito, inexplicablemente ha pasado casi una década para que reciba un estreno en el Reino Unido, pero ahora se realizará una versión de concierto durante dos noches en el Theatre Royal Drury Lane de Londres en agosto.
Descarado … Jeff Lillico, arriba, como Shakespeare en ¡Something Rotten! Fotografía: David Hou
Está perfectamente en casa en la Stratford de Canadá, establecida en 1832 y rodeada de tierras de cultivo, que tiene una reputación teatral que rivaliza con la de su homónima británica. Hay bromas irreverentes sobre el teatro musical a montones mientras los hermanos Bottom buscan consejos de una adivina que les asegura que es lo próximo grande, lo que da lugar a burlas cariñosas en un número brassy, de patadas altas, vertiginosamente meta que desglosa los ingredientes clave del género con referencias a Les Mis, Annie y decenas de otros espectáculos. Una batalla de rap al estilo de Hamilton ve a parejas de rimas disparadas por el escenario y el espectáculo tiene un toque de Los Productores, también, mientras los Bottom ensayan la canción La Peste Negra (primer verso: “¿Qué se acerca por la Ruta de la Seda?”) completa con un coro de segadores sombríos.
Al igual que Upstart Crow, ¡Something Rotten! entrelaza elementos de las obras originales en un relato de identidades ocultas y travesuras secretas mientras Nigel se enamora de Portia (Olivia Sinclair-Brisbane), cuyo padre puritano alberga un apetito casi inconfesable por el teatro (las expresiones de Juan Chioran son exquisitas al exponer continuamente sus pasiones secretas a través de dobles sentidos inadvertidos). Una escena destacada tiene a Nigel recitando poesía a Portia, que la recibe de manera orgasmica antes de que él eyacule prematuramente el verso.
La producción, dirigida y coreografiada con entusiasmo por Donna Feore, es interpretada por un elenco radiante con el conocimiento de lo bueno que es este material. También refleja de manera ingeniosa otros espectáculos de la temporada de Stratford. La trama tiene amantes cruzados por las estrellas y hay una alerta de spoiler sobre el último éxito de Shakespeare, Romeo y Julieta, que un personaje en el musical va a ver. Esa tragedia se presenta de manera emotiva para los espectadores de Stratford por el director Sam White en el mismo escenario. En un momento del musical, Shakespeare se disfraza como Toby Belch; Noche de Reyes, dirigida por Seana McKenna con Scott Wentworth como el sociable Belch, también se está representando en el Festival theatre.
Lo que verás … Deborah Hay, en el centro, como Feste en Noche de Reyes. Fotografía: David Hou
¡Something Rotten!, Noche de Reyes y Romeo y Julieta se presentan en rotación con funciones vespertinas y matinales; gracias a un equipo técnico eficaz que maneja rápidamente los cambios regulares de escenario, se pueden ver dos espectáculos en el mismo día. Este doble programa cristaliza las conexiones entre las obras, pero también permite ver a actores del conjunto teatral clásico más grande de América del Norte asumir un par de roles uno tras otro, como la excelente Jessica B Hill como Lady Capulet y Viola.
La Noche de Reyes de McKenna domina la mezcla requerida de alegría y melancolía, cambiando la historia nombrada por un día final de festividades al amanecer del verano del amor de 1967. Las vibraciones hippies ágiles coinciden con el espíritu de “lo que quieras” de la obra, que está encapsulado por una pieza notable de diseño escénico. Christina Poddubiuk ha colgado, sobre el escenario, un móvil cuyas varillas se asemejan a remos (perfecto para el escenario costero) y un árbol genealógico. Gira como el molinete del tiempo de Feste a lo largo del espectáculo, los componentes relucientes tocándose ocasionalmente, como si fueran percusión para la partitura que incluye jazz, rock y folk. El espectáculo culmina en un torbellino de movimiento que combina elementos de la locomoción, el autostop, el jerk y otras danzas locas.
Belch de Wentworth aparece con los pantalones arremangados, presumiblemente directamente de un chapuzón en el mar, y pronuncia las líneas como si estuviera sufriendo de indigestión. Aguecheek de Rylan Wilkie lleva el pelo largo y se asemeja a un confundido Austin Powers. Juntos, la pareja intercambia movimientos de baile en su intercambio de “dar un brinco”. Feste de Deborah Hay es una trovadora que se viste como Joni Mitchell, el discurso “todo lo que está arreglado no es más que un remiendo” reflejando su conjunto desordenado.
En medio de este conjunto groovy está una Malvolio femenina (Laura Condlln), interpretada como la cuadrada definitiva, con gestos excesivamente meticulosos con los dedos similares a los de Tamsin Greig en el papel en el National Theatre en 2017. Es una interpretación física soberbia, desde su agacharse como si estuviera orinando sobre la carta de María para admirar sus “grandes Pes” hasta algunos empujes excesivamente entusiastas de grandeza. La comedia física alcanza su punto álgido cuando Aguecheek y Cesario se echan para atrás durante su combate de boxeo.
Sano … Vanessa Sears como Julieta y Jonathan Mason como Romeo. Fotografía: David Hou
Romeo y Julieta también se refuerza con elecciones musicales inteligentes. En el teatro Festival, todas las funciones se anuncian con el toque tradicional interpretado en vivo fuera del edificio por músicos con trompetas heráldicas y un tambor de desfile. La producción de Sam White continúa el ritmo con dos bateristas que aparecen en el escenario para un prólogo cantado por Julieta (Vanessa Sears) con túnicas y tocados angelicales que crean un efecto extraordinariamente íntimo. Los bateristas reaparecen a lo largo de la obra, aumentando la tensión en las escenas de lucha, la más impactante de las cuales es la muerte de Tybalt, ya que no es asesinado por una espada sino estrangulado con su propio collar por Romeo.
Sears canta nuevamente cuando se encuentra con Romeo en el baile. Se introducen arias en la obra, firmemente ambientada en el Renacimiento italiano, incluida la Lamentación de Dido de Purcell, cantada por la Enfermera (Glynis Ranney) para Julieta. Es una adición encantadora, una alternativa a que la Enfermera despida a los músicos de la boda y le permita una despedida más reflexiva a su hija sustituta que el habitual shock de “día triste, día triste”. Eso es emblemático de una versión que explora todas las formas de amor, romántico y familiar.
White logra una claridad penetrante en una producción que avanza rápidamente a pesar de cortes mínimos en el texto. Romeo de Jonathan Mason trabaja con facilidad la primera fila (“Muéstrame una amante que sea pasajeramente bella”, dice con un guiño, señalando a un espectador) y escuché suspiros de satisfacción detrás de mí durante el soneto de los peregrinos sagrados. La escena del dormitorio es bastante saludable: la pareja vestida de blanco ondeante en el balcón de Julieta para un breve momento de quietud antes de que la tragedia avance hacia su clímax.
La tercera obra de Shakespeare de esta temporada se encuentra en el teatro Tom Patterson más pequeño de Stratford, donde el relato de los recién casados condenados de Cimbelino se convierte en una pieza complementaria de cámara a Romeo y Julieta. La directora Esther Jun encuentra soluciones inteligentes para algunas de las características más difíciles de la obra, como la escena introductoria de dos caballeros que puede volverse pesada en manos equivocadas. Escuchamos fragmentos susurrados de discursos posteriores en la obra mientras los personajes inundan el escenario para un baile grupal antes de congelarse en una tabla, animados individualmente cuando son presentados por el prólogo.
Animado … Allison Edwards-Crewe como Innogen en Cimbelino. Fotografía: David Hou
Innogen es interpretada con espíritu por Allison Edwards-Crewe, excelente como Hero en la revisión feminista del año pasado de Mucho ruido y pocas nueces. Jordin Hall interpreta a Posthumus Leonatus, el nuevo esposo de Hero, y muestra el poder corrosivo de la charla de vestuario de los hombres mientras es incitado a hacer una apuesta con Iachimo (Tyrone Savage) sobre su fidelidad. Jun se divierte con los arquetipos de cuento de hadas de la obra: la malvada madrastra reina aquí se convierte en un duque astuto con una trenza (Rick Roberts) mientras que el villano Cloten (Christopher Allen) se interpreta puramente por comedia como un narcisista presumido y de alto campamento, obsesionado con apartar su flequillo de su rostro.
Este reino de masculinidad hiperfrágil está gobernado, al igual que la versión de la RSC de Melly Still en 2016, por una Cimbelina femenina (Lucy Peacock). Cuando Iachimo emerge del baúl en la habitación de Innogen, no hay exactamente la sensación habitual de amenaza, sino más bien la impresión de un hombre que reconoce fugazmente su culpa e indignidad en presencia de tanta pureza. Todo da vida a la revelación posterior de Innogen: “Veo que la vida de un hombre es tediosa”.
Enfrentándose al tedio en el mismo escenario está la superlativa Hedda Gabler de Sara Topham en la producción de Molly Atkinson de la versión de Patrick Marber vista por primera vez en el National Theatre de Londres en 2016. La puesta en escena de Ivo van Hove había engrapado ramos de flores y salpicado jugo de tomate en un elegante espacio de exposición moderno, pero la solicitud del director belga a Marber fue que escribiera un guion que funcionara igual de bien si se presentara como una pieza de época. Eso es justamente lo que hace Atkinson en una producción ferozmente enfocada que revela lo bien que Marber ha destilado el drama claustrofóbico de Ibsen y capturado la comedia negra de la obra.
“Es encantador verte tan temprano”, dice Hedda de manera sarcástica a la tía recién casada de Tesman en su visita matutina, y después de esta entrada Topham dice mucho con solo levantar una ceja o estrechar un ojo en una interpretación detallada que destaca la inteligencia de Hedda. Tesman de Gordon S Miller es más sonrosado que rancio, incluso haciendo una voltereta y un jig en un momento dado.
No importan las pistolas, cada uno de los accesorios, el sombrero exageradamente grande de la tía, el puñetazo, el manuscrito precioso, son utilizados como armas contra los otros personajes por Hedda. La versión de Marber despeja las largas direcciones de escena de Ibsen sobre el salón, dejando un piano, fuego, sofá y flores. Pero la producción de Atkinson, bellamente diseñada por Lorenzo Savoini, incluso elimina el instrumento, que escuchamos siendo tocado en su lugar. Cada acto concluye con la elegante nota de un thriller, intensificado por la iluminación de Kaileigh Krysztofiak.
Superlativo … Sara Topham como Hedda, derecha, con Tom McCamus como el juez Brack en Hedda Gabler. Fotografía: David Hou
Las producciones del festival suelen tener un tema general anual y el de este año se toma de Coriolano: “un mundo diferente”. Para Hedda, la noción tiene implicaciones trágicas, pero en el tradicional espectáculo infantil del festival es una oportunidad para la fantasía llevada al máximo y la escenografía. Wendy y Peter Pan de Ella Hickson, visto por primera vez en la RSC en 2013, es una producción transportadora de Thomas Morgan Jones en el teatro Avon.
La alteración principal de Hickson a la historia original tiene un paralelo en la infancia de JM Barrie. Cuando tenía seis años, su hermano mayor David murió en un accidente y Barrie consideraba que David estaba congelado en el tiempo, un niño que no crecería, como la mayor creación del novelista. Hickson da a los hermanos Darling otro hermano, Tom, que muere en una escena temprana y es llevado a Nunca Jamás por Peter. Wendy se culpa injustamente y la aventura de los niños se alimenta de una búsqueda muy personal de reunión con su propio niño perdido.
Eleva las apuestas emocionales para un espadachín con trampas fantásticas de panto: Tinker Bell de Nestor Lozano Jr. disfrazada como un regalo de Navidad, Peter de Jake Runeckles cuyo cabello parpadea como llama, y Laura Condlln (nuevamente en excelente forma) como Garfio, abucheada diligentemente antes de que diga una línea. “Puedo verlos ahí afuera”, fulmina al público bullicioso, que incluye niños de la escuela local Anne Hathaway. Pero Condlln puede silenciar a todos como la maestra más estricta al poner un dedo en su boca, y su Garfio es sorprendentemente autoconsciente, ofreciendo ideas sobre su propia historia y nunca reducido a un villano plano. Más tarde, todos devolvemos la vida a Campanilla con una ronda de aplausos, ¿cómo es eso para darle a una audiencia joven agencia?
La respuesta cacofónica de los niños de la escuela se iguala con la multitud del viernes por la noche para La jaula de las locas en el Avon, con Steve Ross entregando una actuación perfectamente medida como Albin. Viendo el revival bullicioso pero profundamente sincero de Thom Allison de la obra musical de Harvey Fierstein y Jerry Herman